Flash Art 265  Agosto - Settembre 07

IL NUOVO CORSO DELLA SCENA ARTISTICA CAPITOLINA

LA MAPPA DELLA creatività a Roma disegna un intricato organismo fra politica, riassetto urbanistico, opere architettoniche e terziario avanzato. La città non è più quella che tanti ricorderanno fino al 2001, quando il senso del nuovo risiedeva in pochi spunti senza fluidità organica. Oggi permangono i problemi di una metropoli controversa, incoerente, talvolta distratta ma anche aperta al confronto, concreta, internazionale. Proprio la sinergia organica dei linguaggi urbani, sulla scia di un fattivo Veltroni, sembra la principale novità che attraversa intrattenimento e cultura. Basti pensare ad alberghi, ristoranti, negozi, centri benessere,concept-store, design-store, club musicali e

librerie di recente apertura. 

E poi ci sono i musei, le nuove gallerie, le fondazioni, un’Ara Pacis multifunzionale, un Auditorium esemplare, la nuova fiera di Roma, la futura area degli ex Mercati Generali. Per non parlare dei festival (Romaeuropa, Dissonanze, Letterature, Enzimi, FotoGrafia, Festa del Cinema, RomaFictionFest, Festival dell’Innovazione, ecc.), di un EUR che sta diventando luogo per la cultura (Palazzo dei Congressi e Dissonanze rappresentano uno dei migliori connubi mondiali tra architettura e musica elettronica). Bisogna ancora fare molto, potenziando le professionalità e il dialogo tra aziende e politica, snellendo le burocrazie, tutelando gli investitori privati e la qualità sostanziale. La città è comunque un propulsore che vede crescere molteplici scenari: editoriale (Castelvecchi, Fazi, Cooper, Einaudi Stile Libero, Minimum Fax, Fanucci, Orecchio Acerbo…), musicale

(c’è qui una notevole scena elettronica), didattico (la Domus Academy apre una sede in

città), comunicativo, tecnologico. Ci sono riviste che affrontano la creatività in modo aperto: Next Exit, Fefé, Drome, Stirato, Nero, Inside Italia, solo per citarne alcune. Svariati designer sperimentano nuovi approcci con la moda (Soft Core, FQR…), così come il design sta trovando uno spazio meno marginale (il duo Paolucci & Statera e l’evento Romad+ meritano una particolare segnalazione). Per raccontare il recente scenario artistico bisognava darsi un’origine. E la più naturale non poteva essere che il tempo, segnalando coloro che sono emersi dopo il 2002, con l’entrata in vigore della moneta europea e il conseguente riassetto dei fattori etici, culturali ed economici del vecchio continente. La scena creativa, pur nella disomogeneità di proposte e risultati,

risulta uniforme su alcuni punti: la ricerca di un immaginario dai solidi contenuti figurativi, l’applicazione delle nuove tecnologie a una realtà più fisica che virtuale, l’apporto di una buona memoria storica, e si arricchisce della presenza di artisti che, pur provenendo da altri linguaggi, conoscono la struttura iconografica. Pensiamo all’esperienza targata Why Style, uno dei collettivi che meglio ha compreso il passaggio strategico dal muro ai rinnovati approcci comunicativi. Stand, Nico, Pane, Joe e Scarful dipingono su oggetti ed elementi urbani, ma anche su quadri più canonici, esaltando

una figurazione flat che tocca feticci, metropoli, simboli e controculture del meccanismo generazionale. Un approccio che ci introduce al lavoro di Drago Arts & Communications, casa editrice e laboratorio creativo sintonizzata sulla nuova Street Culture e sui sistemi culturali indipendenti. Molte proposte romane attraversano illustrazione, musica, cinema e altri linguaggi dominanti, a conferma di traiettorie “sporche” in cui le creatività rispecchiano una città contaminata per natura. Dal fumetto hard giunge Thomas Bires, autore di un extreme pop, con personaggi tra Robert Crumb e Salvador Dalì. Cesko, scoperto con la mostra del 2005 da Mondo Bizzarro, disegna digitalmente i suoi bad boy tra fumettismo californiano e illustrazione giapponese. Tommaso Medugno, già autore di copertine per Minimum Fax, disegna ragazzini dagli occhi pallati in situazioni più o meno conflittuali. Da segnalare Jonathan Pannacciò, diviso fra una pittura di ambigue forme flat, l’apertura di una librogalleria e i progetti audiovisuali sotto il nome Mag-nesia. Dalla musica elettronica ecco Tiziano Lucci, artista digitale che elabora immagini dalla stratificazione esasperata, un modo quasi antico nel decostruire una fotografia iniziale e renderla lo specchio estremo dei processi cerebrali. Dal cinema segnaliamo Philippe Antonello, principale fotografo di set cinematografici italiani ma anche artista con un’identità fotografica da approfondire.

Sempre dal cinema si sta affermando Carola Spadoni, già ben posizionata con una videoarte installativa dalle narrazioni stranianti ed essenziali. Attore, regista, autore e artista, Antonino Iuorio realizza lavori su carta o in chiave digitale, inventando personaggi assurdi tra la fiaba perversa e la fantasy più contaminata. Tra moda e arte si muove il progetto “Fatima Blanche” con la sua protagonista Gina, femmina dalle labbra ipersiliconate che incarna molteplici gender e diventa disegno, pittura, ma anche magliette, borse, slip. Il tutto in vendita nello spazio FB Project, shop-galleria dove arte e moda parlano la lingua del progetto. 

Da segnalare un altro recente projectstore tra arte e vestire: è Temporary Love, con

pezzi unici di giovani artisti che espongono i loro quadri assieme al progetto nato per l’occasione. Dal design arriva invece Stefano Canto, sperimentatore di materiali riciclati che costruisce sculture e installazioni di forte impatto e lucido messaggio morale. Già impegnati nel mondo delle campagne pubblicitarie, ecco due fotografi dall’intrigante personalità figurativa: Stefano Cerio, che affronta temi anomali in maniera spiazzante. Tre esempi? Machine Man e i robot giocattolo nei contesti urbani, Codice Multiplo e i doppi gemellari nella città e nei laboratori di ricerca, Sintetico Urbano e il kitsch post-urbano fra cimiteri per animali, negozi di lampade e altri luoghi assurdi. Arash Radpour si muove tra i due principali temi fotografici, corpo e paesaggio, con densa energia iconografica. Le sue immagini si caricano di tensione e agiscono come catalizzatori emotivi, in una sorta di apparizione chiaroscurale dalla metafisica teatrale. Scorrendo i

nomi che meglio rappresentano la recente proposta, vediamo la solita costellazione di pianeti autonomi senza orchestrazione tra le parti. La pittura è comunque uno dei principali canali propositivi, talvolta con esiti poco scontati per approccio e stile. Manfredi Beninati si conferma una delle presenze più mature sul territorio romano. La sua pittura, completata da installazioni, sculture e collage, mescola vecchie memorie familiari con irruzioni estetiche nel fantastico, nella magia cromatica, nel baluginio di luci e vertigini visive. In generale si gira attorno ai temi aperti della figurazione, talvolta

con piccole ottusità rispetto alle riflessioni internazionali, ma con modi “isolati” che

in alcuni casi pagano. Mauro Di Silvestre, ad esempio, usa le matrici di una tipica figurazione realistica con un’aggiunta determinante: lascia sfumare le immagini in una dissolvenza incrociata, giocando con eleganza tra un passato neorealista e un presente di ombre vive. Alessandro Scarabello si focalizza su uno stile espressivo per affrontare il mondo extracomunitario, la povertà sociale e altre storie dalle dure connotazioni etiche. Per Pietro Ruffo il quadro significa affrontare alcuni grandi temi (le disuguaglianze sociali, il disagio psichico, la trasformazione dei territori) attraverso un minuzioso disegno a grafite, ma anche attraverso ulteriori linguaggi che completano la sua visione panoramica. Talvolta la pittura si formula con materiali alternativi, come nel caso di Luca Guatelli, che compone parole e immagini con l’ossessivo utilizzo degli spilli su tavola o tela. O come nel caso di Pierluigi Febbraio, coi suoi disegni tra l’infantile e l’iperrealismo, realizzati usando olio, malta micacea e pennarello. 

Per Nicolantonio Mucciaccia, invece, il disegno e la pittura si mescolano con luci al neon e telai di forte presenza fisica, dando alla visionarietà interiore un contenuto estetico di giusta attualità. Non mancano gli artisti che mescolano svariati media in un’indagine d’impegno analitico e coscienza morale. Rocco Dubbini scruta le anormalità apparenti e le trasformazioni del corpo, spiazzandoci per il modo con cui elabora le molteplici versioni dell’alterità. Silvia Iorio guarda ai rapporti tra arte e scienza, cercando nell’opera il paradosso e l’errore, il caso e il caos. Daniele Jost si focalizza sulla memoria contenuta nel paesaggio, muovendosi tra il realismo della fotografia e l’invenzione di elementi talvolta sovrimpressi sulla foto, talvolta installativi. Franco

Losvizzero ricicla vari materiali per le sue sculture semoventi e parlanti, sorta di robot

poetici in cera e plastica che agiscono come inconscio visibile (e ascoltabile). Davide

Sebastian fotografa e rielabora digitalmente la natura per notare i cambiamenti del paesaggio nel suo intreccio esasperato con la tecnologia. Luana Perilli cerca nella forma spuria il senso della memoria familiare, dell’intimità femminile, del diario, tra cultura popolare ed esperienza soggettiva. Una Roma, insomma, che cresce in modo instabile ma continuo. Una città dove oggi accadono molte cose: alcune dispersive, altre sottovalutate, altre ancora di adeguato peso culturale. I veri risultati di tanto dinamismo li vedremo però tra qualche anno, quando la rete museale e il lavoro dei privati si saranno stabilizzati attraverso l’esperienza internazionale, la crescita politica

(speriamo) e la consapevolezza dei nuovi meccanismi comunicativi. Per adesso,

tra una novità e l’altra, godiamoci la spinta di questa piacevole maturazione.

Gianluca Marziani è critico d’arte e curatore. Vive e lavora a Roma. 

SCRIVO GUARDANDO FUORI dalla finestra un angolo del quartiere Isola, a Milano.

Sullo sfondo, le sagome rossastre dei grattacieli che chiudono la vista verso la Stazione Garibaldi. Sono le sentinelle a guardia del “bosco verticale”, della città nuova e si suppone trionfante che prenderà il posto dei terreni incolti trasformati in “Biblioteca degli alberi”, secondo le fantasiose definizioni che si leggono in giro1. È una postazione ideale per scrivere dell’arte e della contemporaneità a Roma, e per diversi motivi. 

Vista da qui, dalla prospettiva accelerata che Milano offre sulla situazione artistica internazionale, Roma perde i tratti di una realtà troppo familiare per acquistare invece contorni sfumati e problematici, mentre la tentazione a tratteggiarne un’identità, un’essenza in qualche modo, evapora presto se messa a confronto con la diversità che ho sotto gli occhi e con quella che si affaccia dal browser aperto sullo schermo del mio portatile. I vecchi luoghi comuni poi, quando si discute dell’Italia contemporanea, non reggono, non sono più neppure scusabili, e raccontare la vicenda

dell’arte nella capitale, più o meno negli ultimi dieci anni, è possibile solo partendo da una specie di tabula rasa, di preventiva disattivazione dei cliché. Anche perché quel che si vorrebbe descrivere riguarda alla fine tutta la condizione culturale del nostro paese: la crisi del sostrato storico-umanistico, delle mediazioni sociali, la fine delle divisioni politiche tradizionali, il rigetto dell’eredità come fattore di costruzione identitaria, la monocultura televisiva, la frammentazione utilitaristica delle città…

Insomma, tutti i temi delle perenni discussioni sulla crisi italiana, sui suoi caratteri locali e/o globali, a cui il mondo dell’arte, pur con la sua tipica resilienza, non riesce completamente a sottrarsi. Direi però che proprio la trasmissione di un patrimonio condiviso, di una visione, di una sensibilità comune tra diverse generazioni di artisti, che era poi ciò che nutriva a Milano o Torino come ovunque il concetto di “città”, è entrato in crisi a Roma in modo più violento e netto forse che in altri luoghi. La rottura, all’inizio degli anni Novanta, non ha trovato chi sapesse interpretarla, né d’altro canto il sistema dell’arte dell’epoca è apparso in grado di rinnovarsi come avvenuto in altri centri. Di qui l’inquietante sensazione, per chi ha memoria di quegli anni, di una città paradossalmente desertificata, sempre più compiaciuta di assomigliare alla sua caricatura. Ma anche a Roma alla fine qualcosa si è mosso. Il senso di distacco, di latitanza, la necessità di fare i conti con condizioni radicalmente nuove hanno giocato a favore di un mutamento, già peraltro leggibile in ambito editoriale, con la fioritura di case editrici innovative (Einaudi Stile Libero, Minimum Fax, Fazi, Fandango, Meltemi, Luca Sossella, ecc.) e di una diversificata e vivace comunità di giovani poeti, narratori e critici. Un sintomo di cambiamento (e non solo locale, ovviamente) è stato certamente, dal decennio scorso in poi, l’entrata in scena di una generazione di artisti nel cui lavoro è leggibile in egual misura la capacità di dialogare con l’attualità e di riattivare il sostrato simbolico e politico, di essere dentro la città e di guardare criticamente da un’altra parte, di fare i conti con l’atomizzazione dell’esperienza nel mondo globale. C’è soprattutto un “ritorno del reale”, del conflitto, della differenza, nell’arte a Roma degli anni Duemila, e penso ad esempio — senza trascurare una figura appartata come quella di Bruna Esposito — a Gea Casolaro e alle sue rigorose esplorazioni del paesaggio urbano contemporaneo, a Elisabetta Benassi, il cui lavoro si è da subito confrontato con l’immaginario storico e la densità antropologica, a Micol Assaël e ai suoi meccanismi di cui viene esposta l’inquietante valenza psichica,

e quindi a Rä di Martino, con il suo lavoro intorno ai nodi dell’identità, del desiderio,

dell’istinto e della memoria, a Marinella Senatore e ai suoi sorprendenti sconfinamenti, dall’architettura ai generi televisivi, allo humour nero e alla verve provocatoria del duo goldiechiari, sino alle mappature emotive, sottilmente perturbanti, allestite da Carola Bonfili. E poi ancora a Carola Spadoni, Alessandro Piangiamore, Nicoletta Agostini, e la lista è naturalmente incompleta e parzialissima.

Dunque Roma non subisce un fato, un anatema, una proscrizione dall’attualità. Per ragioni diverse, insieme economiche, sociali e geopolitiche, Milano è risultata dagli anni Novanta in avanti un terreno senza dubbio più favorevole al mercato (tanto da giustificare la sua posizione di terminale del sistema dell’arte internazionale) e al mecenatismo privato, e dunque una meta più attraente per gli artisti più giovani. Ma se si passa a esaminare altri fattori il discorso cambia ancora. La capitale è ormai da un quindicennio l’epicentro di una politica di segno nuovo che se ha come obiettivo primario, secondo quanto già avvenuto a Parigi o a Londra, quello di incrementare il turismo e i “consumi” culturali (il MACRO, le Scuderie del Quirinale, il Palazzo delle Esposizioni, il Parco della Musica, sono altrettanti esempi in questa direzione), e come conseguenza un sempre più evidente uso spettacolare della città, ha certamente anche il merito di proporre un diverso rapporto tra presente e passato, di stimolare l’uscita da quella immobile visione archeologica che è stata spesso a torto identificata con la sensibilità “romana”. In questo senso, la creazione di una direzione ministeriale dedicata all’arte contemporanea (DARC) e la fondazione di un grande museo come il MAXXI sono eventi destinati a mutare, ci si augura, in maniera positiva e permanente lo scenario della produzione, dello studio, della valorizzazione della creazione artistica più recente del nostro paese.

L’attività di spazi indipendenti, non profit, così come la presenza delle accademie straniere, è stato un altro fattore chiave nel ristabilire in questi anni a Roma termini di

confronto aggiornati; a un’istituzione storica come Zerynthia (e alla sua più recente

incarnazione, RAM/Sound Art Museum), a lungo uno dei pochi osservatori aperti alla

scena internazionale, si sono affiancati più di recente alcuni spazi indipendenti dotati

ognuno di una propria fisionomia — dalla Fondazione Adriano Olivetti, che ha inaugurato una nuova attenzione nei confronti dell’arte attuale, a Fondazione Volume!,

con il suo approccio eclettico, sino a 1:1 projects, un interessante esperimento di autogestione animato da un gruppo di giovani curatori. Proprio questa è in effetti una

delle novità più promettenti che Roma abbia offerto in questi ultimissimi anni: la crescita di una generazione di critici che per formazione, apertura mentale, esperienza, sensibilità, appare pienamente integrata in una dimensione internazionale ma che ha scelto di mettersi in gioco e agire su un terreno spesso impervio come quello romano; il caso di Nero, un free magazine in cui si sviluppa un serrato dialogo tra parola e immagine, non fa che confermare questa ipotesi.

Culturalmente, la forza di Roma è sempre stata la sua dimensione meticcia, impastata di antichità e di moderno, di apertura e riflessività, e anche la sua sensibilità onnivora, imprevedibile, trasversale nei gusti, nelle predilezioni, nei campi di attività. Il cinema, la letteratura, il teatro, il tessuto storico e le urgenze politiche sono sempre stati un terreno di confronto e di incontro per gli artisti che si stabilivano nella città, la ragione di un’attrazione che occorre oggi ritrovare e rinnovare. È questa la dimensione

che il trionfo del mercato tende a far dimenticare, e ciò di cui invece Roma, come

Milano e l’Italia in genere, torna a prendere coscienza in questi anni: la necessità per

artisti, critici, curatori di un radicamento, di una presa di responsabilità reale, di una impietosa lucidità su se stessi e sul proprio spazio sociale, come premessa per un dialogo senza riserve, e senza complessi, con la vertiginosa varietà di esperienze del

mondo contemporaneo.

Stefano Chiodi è storico e critico d’arte. Vive e lavora a Roma.

Nota:

1. Il progetto dei “Giardini di Porta Nuova” a Milano prevede la realizzazione di una “Biblioteca degli alberi” ideata dall’Inside Outside Group in collaborazione con lo Studio Michael Maltzan Architects di Los Angeles. La “Biblioteca degli alberi” sarà l’elemento centrale dell’area Garibaldi-Repubblica, luogo di collegamento tra le diverse realtà della zona: il nuovo polo delle istituzioni, il quartiere Isola, la Città della Moda, Piazza della Repubblica. Il progetto, che si prevede completato entro cinque anni, è stato concepito in modo da consentire fasi di attuazione progressive, con le prime realizzazioni entro due-tre anni.

LE ACCADEMIE STRANIERE a Roma, realtà unica in Italia, stanno prendendo sempre più piede. Fondate all’inizio del secolo scorso per sostenere gli studi, soprattutto archeologici, dei connazionali, con il tempo hanno deciso di includere musica, arti visive, cinema, letteratura contemporanea e architettura. Gli studi ospitano borsisti americani, inglesi, francesi, tedeschi, che risiedono tre, sei, nove mesi, in alcuni casi fino a due anni. 

L’American Academy in Rome offre anche una borsa di studio per artisti italiani. A questi si aggiungono gli artisti invitati in occasione di mostre, concerti, conferenze, sopralluoghi per progetti futuri, e il numero di presenze si moltiplica. Fra resident, fellow e visiting artist troviamo ad esempio Thomas Demand, Richard Billingham, Olaf Nicolai, Adam Chodzko, Yun-Fei Ji, Joshua Mosley. Il fascino esercitato da queste strutture è indiscusso: le sedi sono incredibilmente accoglienti, immerse nel verde di giardini privati equiparabili a ville pubbliche. Tuttavia, non dobbiamo pensare a luoghi di monastico ritiro, almeno guardando agli ultimi anni. La linea seguita dalle accademie è quella della comunicazione e dello scambio, fornendo agli artisti residenti gli strumenti necessari per potersi orientare: introduzione alle gallerie, ai curatori, presentazione della città e alla città, come raccontano Dana Prescott e Lexi Eberspacher dell’American Academy in Rome e Joachim Blüher e Shara Wasserman dell’Accademia Tedesca. Una serie di mosse volte alla reciproca conoscenza: gli esiti di studio visit, mostre di fine o metà anno non sempre si vedono e dipendono naturalmente da diversi fattori, ma gli incontri a volte fortunati che avvengono in queste circostanze portano sempre più di continuo a successive collaborazioni. È stato così per Laurent Grasso, che durante la sua residenza all’Accademia di Francia, nel 2004-2005, ha fatto una personale alla galleria Extraspazio; così per Hansjörg Dobliar, che da S.A.L.E.S. nel 2006, ha presentato una serie di opere realizzate durante il suo soggiorno all’Accademia Tedesca nel 2006; stessa cosa farà l’americano Matvey Levenstein presso Lorcan O’Neill questo autunno. Così è anche per Astrid Nippoldt: nel 2006, durante la sua residenza, ha presentato per la prima volta la trilogia video Grutas, Adele e Sitting Lenin, nell’ambito della rassegna “Step In Step Out”, curata da Ilaria Gianni presso la Fondazione Olivetti. Il suo lavoro è stato scelto per inaugurare la nuova galleria Mummery + Schnelle nel West London a settembre. La British School non offre solo residenze per artisti. Qui il Contemporary Arts Programme ha organizzato mostre personali di artisti inglesi come Rachel Whiteread, Martin Creed, Mike Nelson, Ian Kiaer. A partire dal 1998, da quando la curatela del Contemporary Arts Programme è stata affidata a Cristiana Perrella, ha preso avvio anche il progetto “Viva Roma!”. “L’obiettivo è stato, fin dall’inizio, quello di stimolare il confronto degli artisti con la città”, dice Perrella, “non solo in quanto emblema della Storia e della cultura occidentale ma anche, e principalmente in quanto luogo della contemporaneità, teatro di contraddizioni, tensioni, fermenti nuovi”. Dopo il primo progetto di Cerith Wyn Evans (Oedipus Rex del 1999), Mark Wallinger (che nel 2000 ha realizzato il video Threshold to the Kingdom, presentato al Padiglione Inglese della Biennale del 2001), Yinka Shonibare, Scanner, Sophy Rickett e Jonathan Monk, stanno lavorando ai prossimi progetti Kutlug Ataman e Chris Evans, entrambi ospitati per le loro ricerche sul campo nei mesi di giugno e luglio. È a metà della sua residenza  all’Accademia Tedesca Carsten Nicolai, incontrato in un pomeriggio di fine giugno nel giardino dell’Accademia di Romania. Qui è allestita “Spazi Aperti”, collettiva che riunisce i lavori di oltre 30 artisti provenienti dagli istituti culturali stranieri a Roma. Ad  occuparsene è Alexandru Nicolescu, artista con residenza di due anni. Nicolai spiega che aveva bisogno di staccare da Berlino, di stare senza il suo tavolo da lavoro con le cose da fare, e che stare a Roma è stimolante. E poi gli piaceva l’idea di venire in Italia, il Paese europeo, dice, dove la sua musica è recepita meglio e “arrives very quickly” come un “fresh restart”, dice. La sua vita è cambiata di poco, eccetto per le performance che da quando è arrivato sono aumentate. All’Accademia di Romania farà un dj set.

Carsten Nicolai: È una cosa nuova per me. Lo facevo tanti anni fa e a Roma me l’hanno chiesto, così ho ricominciato. Prima con Luca Lo Pinto per le feste di Nero a Roma e a Venezia. È una cosa facile da organizzare, un buon veicolo di  omunicazione, mi piace la gente, sentirne l’energia. Quelli che già conoscevo appartengono alla scena musicale, Romaeuropa Festival, Dissonanze, a cui ho partecipato. In un contesto più legato all’arte, c’è una certa energia connessa a uno stretto gruppo di giovani. Sento che qualcosa sta succedendo, ma allo stesso tempo vedo quanto sia difficile. Roma non è molto contemporanea, l’attenzione è concentrata sull’antico, ci sono grandi spazi pubblici la cui attività potrebbe essere più incisiva. Non so perché, ma più scendi verso il Sud e più la musica funziona meglio dell’arte. Certo, qui si tratta di un dj set, non c’è niente di “profondo” in questo. Per il resto invece, c’è bisogno di più lavoro e preparazione e soprattutto di uno spazio appropriato. E questo forse è un problema per Roma. Non ho ancora visto uno spazio per l’arte veramente eccezionale.

Considerazione da raccogliere, anche se non del tutto condivisibile, in una città in continua espansione. Mentre le accademie straniere auspicano una maggiore collaborazione tra loro, una sorta di “fare sistema”, e lasciano intuire che qualcosa in questo senso accadrà presto. 

Maria Cristina Giusti è assistente curatrice del Contemporary Arts Programme alla British School di Roma.