Flash Art 270  Giugno – Luglio 08

LE DISSOLVENZE APPARENTI DI UNA REGIONE

SE GOFFREDO PARISE, con le sue semplificazioni fulminanti, ha definito il Veneto “come una terra ‘barbara’, fatta di ‘muschi e di nebbie’” e Andrea Zanzotto ha scritto per una vita versi che sembrano affondare letteralmente dentro questa terra, “nelle sue radici, nei suoi minerali, nel suo fondo di fuoco”: ebbene, questo luogo mitico-magico non esiste più. Non esiste più, perché tutta la sua gente ha perso l’anima nel crollo generale dei valori, delle ideologie, dei progetti. Non esiste più, perché tutti i luoghi

si sono annullati nello Spazio universale del Mercato.

In una generazione si è passati dalla miseria all’opulenza, dall’emigrazione all’immigrazione, senza che ci fosse il tempo di produrre modelli culturali capaci di elaborare il cambiamento. Ora, che il panorama dell’arte possa rimanere estraneo a questo senso di spaesamento, di perdita delle radici, è pura utopia. E se negli anni Ottanta si sventolava il vessillo di un recupero del genius loci, di un’espressività cioè legata al territorio antropologico e al ritrovamento del passato come unico presente possibile, oggi è lo stesso territorio a essere scomparso dall’orizzonte. Certo, non c’è più un grumo ventrale, un’adesione profonda al luogo da parte dell’istinto. Si cerca di allargare la via del sentire, di allungare il proprio sguardo al di là dei miti storici, di trovare una visibilità molteplice ai propri messaggi. Però senza, per questo, entrare in una dimensione globale e totalizzante. Se ci si sposta nel fuori (Milano, Berlino, New York) non lo si fa per una forma di idolatria nei confronti dei mercati dominanti, ma per

aprire in sé una radura, una luce, un sapere inedito (Jünger): spesso poi si fa ritorno alla propria terra e alla propria differenza. O, nel caso più eclatante del padovano Maurizio Cattelan, se si diventa davvero cittadini del mondo lo si fa producendo un’arte da enfant terrible, che si concede il piacere di costruire balocchi enormi, vistosi,

effettistici, ironici. E lo stesso fanno, seppure con stili e linguaggi diversi, la veneziana

Monica Bonvicini, il vicentino Luca Buvoli, la padovana Grazia Toderi, ecc. Ma c’è un’altra peculiarità che connota le modalità di porsi dell’arte degli anni ‘80-‘90 e che almeno apparentemente sembra essersi dissolta, ed è una volontà politica, laica, comunitaria del fare e del far vedere. Chi non ricorda le festose adunate della “Domus Jani”, un capannone (a Illasi, a pochi chilometri da Verona), dove si potevano

incontrare Hermann Nitsch, Aldo Mondino, Bruno Munari, mescolati a opere e videoproiezioni di Beuys e Duchamp? O le Biennali dei Giovani delle Trevenezie tenute nella Cattedrale dell’ex-Macello a Padova: campionature che erano tentativi di riassumere, rimeditare, superare il passato? Ma non è un caso che si sia parlato di “dissolvenze apparenti”, proprio perché in nome dell’ecumene e del confronto si sono

sviluppati negli anni degli appuntamenti che pur non essendo “trendy”, rimangono per molti giovani il primo e forse più importante passo per arrivare al pubblico (come “Quotidiana” a Padova o la “Collettiva” della Fondazione Bevilacqua La Masa). Ma anche altre occasioni di incontro sono emerse prepotentemente in tempi recenti: da “Gemine Muse” (appuntamento nazionale, ma nato a Padova), dove giovani artisti sono invitati a confrontare il loro gesto ispirandosi ai capolavori del passato, comparando, come in un gioco di specchi, ciò che è sepolto dal tempo con ciò che attraverso il tempo “fabbrica coscienza e futuro”; e ancora “Nuovi segnali” (sempre a Padova): “un laboratorio per giovani artisti e curatori in cui si abbandona la teoria in favore della pratica del fare” o l’Associazione TRA (a Treviso), che intende muoversi sul modello

delle Kunstverein tedesche, cercando di innescare le più sottili contaminazioni tra arte

contemporanea ed economia d’impresa. Anche la Fondazione March (a Padova) nasce da un proficuo scambio tra arte e mondo imprenditoriale, offrendo, al di là delle esposizioni, anche programmi di didattica (con tanto di biblioteca e videoteca continuamente aggiornate) e la possibilità di usufruire di atelier. Infine C-4 (Centro

Culturale Contemporaneo Caldogno) che, mettendo in relazione arte, impresa e cultura intende porsi come centro di formazione, come meeting di diversità intellettuali e professionali che si incontrano allo scopo di “riqualificare il territorio” e valorizzare “l’identità locale”.

Messa così la questione, potrebbe sembrare che il sistema arte nel Veneto abbia costruito una trama che ha la stessa ricchezza della piccola impresa diffusa. Ma se si affronta il problema istituzionale, si scopre che le pubbliche amministrazioni sono spesso latitanti e, quando pensano a occasioni espositive, non pensano a un’operazione di ricerca, di studio, alla formazione di una nuova sensibilità estetica, ma al gigantismo, al prestigio, alla visibilità urbi et orbi, dimostrando così di non aver ancora capito che la Cultura può diventare business a patto che ci sia una diffusa

esigenza del bello e che questa va costruita attraverso un’“educazione permanente”, un

coinvolgimento costante. Il salto di qualità avviene solo se l’arte diventa un bisogno interiore, una dimensione in cui specchiarsi, riconoscersi e scegliere cosa essere. I fuochi artificiali lasciano la bocca aperta, ma si consumano nella loro stessa effimera meraviglia. Però rara è anche la collaborazione tra pubblico e privato, che nelle economie avanzate dimostra invece di essere uno dei piloni portanti dello sviluppo sociale. Rare sono le occasioni di sinergia tra Musei e gallerie, al fine di realizzare un percorso capace di creare un piacevole effetto di confronto. In tempi recenti si può ricordare il Museo di Castelvecchio che ha saputo accogliere opere di Pietro Consagra (mentre la mostra aveva luogo presso la Galleria dello Scudo) o inserire nei suoi camminamenti di ronda le “travi pittoriche” di Herbert Hamak (in cooperazione con Studio La Città). In compenso emergono nuovi collezionisti illuminati che non mancano una fiera o un vernissage che conta, trovando nell’arte un inatteso stimolo al rinnovamento delle stesse strategie di comunicazione e di immagine delle loro aziende. Basti pensare che alcuni imprenditori e professionisti tra Vicenza e Treviso hanno formato un po’ goliardicamente un’autentica squadra di collezionisti (come fosse una squadra di calcio): i loro allenamenti sono incontri, scambi di informazioni, dribbling nei confronti delle sacre ragioni del mercato. E per quanto riguarda la costellazione degli artisti, quell’universo apparentemente immerso nella propria incandescenza creativa?

Sempre Parise ha detto che la “forza barbarica della terra che ha prodotto lavoro nei campi fino a ieri, ora produce lavoro nelle fabbriche”. Probabilmente non è più così, ma certamente la pazienza artigianale del fare, unita a quella discreta dell’essere connota molte delle ricerche venete attuali. In esse, infatti, prevale una forte attenzione all’aspetto formale, alla raffinatezza linguistica. Arthur Duff combina fili, intreccia nodi, ma solo per mettere in imbarazzo la nostra percezione. Ricama delle lettere che non portano a un’apparizione di senso, ma a una sua sparizione, dove il filo del pensiero denuncia continui vuoti, come quando un ricordo sfugge, una parola manca, una nozione non ci viene più incontro. Anche la veronese Laura Marchetti trapunta di diritto e di rovescio le superfici di una “carta da lucido”: ma non mira al ricamo, all’ornamento,

alla consistenza di un’immagine, quanto alla sua perdita, alla smaterializzazione

delle immagini stesse stampate sopra le superfici. Elisabetta Di Maggio, con gesti quasi sacrificali, incide con il taglierino carte su carte, ottenendo dei disegni che sembrano trasmigrare da una forma all’altra. “Sono motivi tratti da vecchi merletti” o da arabeschi orientali. “La materia che mi passa tra le mani è il tempo”, afferma l’artista: un tempo che si spazializza, che diventa muro, casa, arredo. Al tempo caduto,

decaduto, polverizzato si rifanno anche gli estremi, grandi teleri del vicentino Silvano

Tessarollo: resine e ceneri sciolte, mischiate, lavorate, fino a produrre una distesa dannata e impietosa, che allude a uno spazio senza inizio e senza fine. Andrea Contin invece, attraverso video, performance, fotografie mette in scena situazioni in bilico tra violenza e ironia, chiamando lo spettatore a divenire partecipe delle provocazioni visive a cui assiste. Andrea Galvani attua delle sottili operazioni di cancellazione/ rivelazione: mostra figure, quasi sottratte allo sguardo, ma pronte ad attestare quell’energia ancestrale che è chiusa nelle loro forme. Con Anna Galtarossa e Sebastiano Zanetti lo sguardo viene spostato all’esterno, per costruire mondi visionari o per intervenire su piazze e stazioni. Infine Cristina Graziani attraversa con la sua pittura molti strati linguistici, dai film noir al reportage sociale, dai racconti surreali alle immagini pubblicitarie: a lei non interessa documentare la realtà, bensì crearla. In fondo sono tutti artisti che producono lavori di approfondimento, di analisi: lavori che richiedono tempi “lunghi” (di fattura e di visione), perché qualcosa torni ad appartenerci, a generare una nuova coscienza di noi stessi. Oggi.

Luigi Meneghelli è critico d’arte e curatore. Vive e lavora a Verona

IL VENETO TRA IRONIA E FRAGILITÀ

IL SISTEMA DELL’ARTE contemporanea del Veneto sembra muoversi lentamente. Si tratta di una regione ricca e, insieme, dotata di un patrimonio storico-artistico straordinario; possiede università prestigiose, la sua imprenditorialità è spesso giovane e consapevole delle problematiche dell’innovazione e della sperimentazione;

per il prossimo anno è annunciata l’apertura del nuovo museo di arte contemporanea

alla Punta della Dogana e, oltre alla Biennale di Venezia, resiste da alcuni anni la

sperimentale Facoltà dedicata alle arti contemporanee dello IUAV.

Dunque, Venice is not sinking, Venezia non sta affondando. Forse traballa un po’, ma resiste. Mi sembra che per iniziare a sondare la produzione artistica in Veneto

non si possa che partire da qui, dal titolo ironico e al tempo stesso deciso della rivista veneziana, voluta e creata da Giorgio Camuffo — uno degli studi di grafica e comunicazione più sperimentali del Veneto — per rilanciare una diversa immagine della città lagunare: una realtà dove si vive, si lavora e si continua a pensare,

nonostante tutto. Se ci limitiamo a Venezia, qui esistono molti altri luoghi che si

dedicano al contemporaneo con programmi e attività continuative e molto specifiche: dalla Fondazione Bevilacqua La Masa alla Fondazione Querini Stampalia, dalla

Collezione Peggy Guggenheim a Palazzo Grassi, a una serie di gallerie private che portano in città artisti noti della scena internazionale. La Venezia che resiste non si può trovare in piazza San Marco, né tra le maschere made in Taiwan delle bancarelle di Rialto; ma si trova per esempio alla Giudecca, negli studi d’artista voluti dalla Fondazione Bevilacqua La Masa, l’istituzione che dal 1898 produce cultura promuovendo in particolare i giovani artisti. Dagli studi, punto di riferimento per molti artisti dell’ultima generazione, sono passate le ricerche più interessanti degli ultimi anni, tra cui Alvise Bittente, Ludovico Bomben, Davide Zucco, Federico Maddalozzo, Nemanja Cvijanovic, Mario Tomè e Kensuke Koike. “La Biennale è finita. Noi restiamo”, si leggeva nei manifesti appesi in città il 12 dicembre del 2007, invito al confronto lanciato dai Magazzini del S.A.L.E. di Punta della Dogana e rivolto alle più importanti istituzioni cittadine del contemporaneo per discutere di come l’arte potesse intervenire nei processi di creazione di una città viva, aperta, internazionale e consapevole. Oltre allo stereotipo di una bellezza ormai sfiorita e museificata, lontano dalla presenza mediatica dei colossi Guggenheim e Pinault, in laguna covano sotto le ceneri tanti fermenti creativi e tante voci diverse accomunate da un lavoro costante e tenace. Ma si sa che “restare” non è facile (forse neanche giusto) e se è vero

che artisti come Maurizio Cattelan, Grazia Toderi, Monica Bonvicini, Luca Buvoli, Lara Favaretto e Luca Trevisani sono emigrati da tempo, e non solo dal Veneto ma dall’Italia, è altrettanto vero che questa regione, Venezia in particolare, può essere anche una grande fucina di idee e di talenti, seppure in una fase ancora embrionale. Tra questi ci sono gli argentini Amparo Ferrari e Sebastian Zabronski, originari di Buenos Aires ma dal 2003 residenti a Venezia, un po’ per caso e un po’ per scelta,

come dicono. Hanno fondato il collettivo Conceptinprogress, attraverso cui danno vita

a performance, installazioni e provocazioni sempre in bilico tra ironia e fragilità. Si presentano come “partner, amici, compagni nella vita e nell’arte” e mettono fortemente a nudo la propria intimità. Anche questa nudità così esposta, apparentemente in balìa del pubblico, è in fondo un altro modo per affermare la propria esistenza. 

Lavorare a Venezia significa soprattutto confrontarsi con un contesto paesaggistico e architettonico unico. Camminando, il corpo diventa misura dello spazio architettonico e la relazione che s’instaura con esso è totalmente di tipo organico: si definisce e si disegna mano a mano che lo si percorre e percepisce. Molti artisti che si sono formati in questo ambiente hanno quindi lavorato performando lo spazio  nell’architettura: è il caso di Giorgio Andreotta Calò. Dopo la partecipazione alla XII Biennale del Mediterraneo nella sezione “Public Art”, anche lui nel 2006 è stato selezionato — come molti altri artisti veneti, da Carolina Antich a Elisabetta Di Maggio, a Lara Favaretto, a Roberta Iachini, a Lucia Veronesi — al Corso Superiore di Arti Visive della Fondazione Ratti. Un’artista che ha invece assorbito tutta la visionarietà spaziale della laguna è Margherita Morgantin, che nei suoi video addirittura fa evaporare paesaggio, corpi e architettura sospendendoli come nello spazio spaesante del sogno. Chi sembra avere tutte le carte in regola è Alberto Tadiello: ha frequentato l’ultimo corso della Ratti, si è diplomato allo IUAV, è uno dei residenti negli studi della Bevilacqua La Masa e ha appena terminato una residenza in Viafarini. Nel suo lavoro utilizza principalmente l’installazione sonora e il disegno. All’Accademia di Belle Arti di Venezia si è formata un’artista come Vania Comoretti, che ha vinto il Premio Saatchi & Saatchi ed espone adesso le sue opere — una lente d’ingrandimento attraverso la quale conduce un’indagine sull’essere umano — alla

Royal Society of Portrait Painters di Londra. Di una generazione precedente sono i lavori di Maria Morganti e Mariateresa Sartori, che saranno presentati con progetti site specific alla Fondazione Querini Stampalia. Che cosa succede invece se dal capoluogo si prosegue verso l’interno? Anche nel campo della produzione artistica, il Veneto dell’entroterra mantiene fede alla sua immagine di estrema produttività e ingegnosità, forte di una politica culturale che ha deciso di investire sul connubio arte-impresa (la neonata Fondazione March a Padova o l’Hangar Design Group a Mogliano Veneto sono la dimostrazione di un sistema che funziona). La presenza, inoltre, di gallerie come la storica Studio La Città di Verona e la più giovane Perugi di Padova aggiornano e divulgano il lavoro di artisti locali in un confronto internazionale. Senza dubbio il “Patto per l’arte contemporanea”, stipulato nel 2003 tra Stato e

Regioni, ha dato l’avvio a un insieme di azioni per la promozione e l’incremento del patrimonio pubblico che anche in Veneto ha avuto una ricaduta positiva e il cui risultato più evidente è il centro culturale C-4 di Villa Caldogno (Vicenza). Ma le attività si sono moltiplicate sul territorio da quando sono attive a Vicenza Fuoribiennale e lo spazio Monotono - agenzia per il contemporaneo che hanno saputo cucire, attraverso una serie d’incontri trasversali, l’esigenza di un’imprenditorialità attiva e curiosa con i temi della contemporaneità. Uscire da

Venezia e dislocarsi permette infatti una presa più forte sullo spazio circostante e una maggiore consapevolezza della realtà e del proprio ruolo. È interessante il percorso di Arcangelo Sassolino, artista che vive e lavora a Vicenza, che ha in corso la sua prima personale al Palais de Tokyo: dopo aver frequentato dal 1990 al 1995 la School of Visual Art di New York, ha continuato a lavorare come designer presso

l’industria di giocattoli della Casio di New York prima di far ritorno a Vicenza nel 1996 e iniziare la sua carriera artistica. Anche il giovane Alessandro Ambrosini lavora a Vicenza muovendosi tra video, fotografia e installazioni mettendo al centro del suo lavoro una riflessione sull’handicap. Nico Vascellari è una delle presenze dell’ultima generazione più attive e mature sul territorio Veneto. Oltre alla partecipazione all’ultima Biennale di Venezia, adesso è impegnato nella performance con Arto Lindsay al Portikus di Francoforte. Si tratta di uno dei suoi rituali, una sorta di visione distorta di una parata carnevalesca brasiliana. Come sempre l’artista sospinge verso qualcosa di ancestrale, di atavico, attraverso il recupero di un linguaggio addirittura primitivo. Qualcosa che ritroviamo anche nel lavoro della giovanissima artista lituana Agne Raceviciute, residente a Treviso: “I miei lavori spesso si dividono in due: da una parte c’è un forte richiamo alla tradizione e al senso leggendario del mio paese

natale, e dall’altra c’è un senso razionale e produttivo che richiama il posto dove vivo. Il Veneto è la regione dei piccoli paesi circondati da imponenti colline. Quello che accomuna è un senso di isolamento che permette di immaginare e soddisfare i propri bisogni”. Alla fine, tirando le somme rimane la certezza di un Veneto che si pone come realtà di eccellenza fin dalla formazione accademica e universitaria, costantemente pronta a rigenerarsi con nuovi contributi ma dove i giovani artisti — non riconducibili a un comune denominatore o a particolari tendenze — preferiscono muoversi, piuttosto, come tante monadi isolate. Stabilizzare qui la propria carriera d’artista è molto più complicato che altrove. Questo rende più arduo il compito dei critici, dei curatori e degli altri addetti ai lavori. Individuare i talenti non è facile: bisogna saper guardare.

Chiara Bertola è critica d’arte e curatrice. Vive e lavora a Venezia. 

TERRITORIO, RISORSE ECONOMICHE E CREATIVITÀ

FORMAZIONE

CRITICI/CURATORI

1- Come giudica l’attuale situazione artistico-culturale del Veneto?

2- Secondo lei, gli assessori, il sindaco, ecc.stanno contribuendo a rilanciare

l’immagine culturale della regione? Cosa farebbe al posto loro?

3- Cosa manca alla regione perché possaessere considerata una capitale dell’arte internazionale,non solo in occasione dellaBiennale di Venezia?

4- Arte e sistema dell’arte: secondo lei, c’è abbastanza offerta dal punto di vista privato e istituzionale per un appassionato di arte contemporanea nella regione?

1- Un’istituzione internazionale, quale è la vostra, come si inserisce nel contesto

regionale?

2- Venezia riesce ad accogliere il vostro pubblico?

3- Secondo lei, c’è abbastanza offerta dal punto di vista privato e istituzionale per un appassionato di arte contemporanea nella regione?

4- Quali sono i prossimi appuntamenti espositivi in programma?