Andrea Lissoni

Critico d’arte e curatore 

Non parlerei di una lingua morta, specie considerando almeno tre questioni per me

centrali. La prima: all’interno della recente generazione di artisti legati alle varie forme

di writing sono emersi autori che dimostrano uno straordinario talento e una capacità di

invenzione di nuove relazioni fi gura/sfondo, corpo/paesaggio, fi gurazione/astrazione.

Non so se defi nirei Blu, Ericailcane, Canedicoda pittori, ma è indubbio che rimettano in gioco radicalmente questioni legate alla tradizione della pittura attraverso la strada delle sottoculture. La seconda: l’animazione (meglio il suo “ritorno” o la sua glamourizzazione) ha consentito a ottimi “pittori” di rievidenziare la propria ricerca;

la cosa vale nei due sensi: dall’animazione/illustrazione verso l’arte e dalla pittura

tradizionale verso l’animazione (i casi sono molti, da Alessandri Pessoli a Stefano Ricci alla giovane Marta Roberti; e a livello internazionale, da Shrigley a Sasnal). La

terza: è indubbio che mettersi a esplorare aree territoriali nei coni d’ombra geografi ci

dell’informazione del sistema dell’arte (per essere generici, Balcani, Caucaso, centro

Asia soprattutto, America Latina fronte Pacifi co) signifi chi confrontarsi con una

storia della pittura spesso di grandissima qualità che ha il pregio di rimettere in gioco

produzioni “moderniste” (anni Cinquanta e Sessanta) pronte a entrare prepotentemente

in impreparati mercati locali alla cerca di identità, o anche internazionali, alla ricerca

di segni e gusti che riorientino il presente.

Gigiotto Del Vecchio

Critico d’arte e curatore 

Non credo si possa parlare di crisi o di scarsa considerazione della pittura. Piuttosto, la pittura sta tentando di difendersi dai tanti pittori che cercano di denigrarla attraverso

il loro atteggiamento conservatore e stantio. Oggi si parla molto di pittoricità dell’opera,

di un clima che parte dalla pittura per andare in direzioni più articolate del quadro e basta. Una pittura che sperimenta e si appropria di altri linguaggi: questo è quanto esiste oggi e interessa a molti curatori internazionali. Lukas Duwenhögger, Michael Borremans, Wilhelm Sasnal, Lutz Brown, David Korty, Victor Man, Richard Hawkins, Nader Arhiman, Pietro Roccasalva: sono alcuni dei tantissimi “postpittori” in circolazione.

Simona Barucco

Critica d’arte e curatrice

Elisabetta Rota

Critica d’arte e curatrice

Massimiliano Scuderi

Critico d’arte e curatore

Non credo che la pittura nel mondo sia effettivamente in crisi. Personalmente la trovo noiosa quando diventa troppo narrativa o troppo decorativa. È probabile che ci sia un sincero disinteresse da parte della critica dovuto da un lato al problema della spettacolarizzazione di alcune mostre - per cui la pittura sembra meno impattante - dall’altro per l’interesse verso il sociale, in cui semplicemente la pittura ha poco da dire in questo momento rispetto ad altre espressioni. È anche vero che ciò, ad esempio in Italia,  ha comportato il proliferare di mostre di artigiani, curate da critici che si sono auto-proclamati salvatori della pittura e che hanno creato un mercato medio - basso e  provinciale. I nostri Sasnal credo abbiano bisogno di più spazio, di una lettura specifica e di un contesto critico nuovo. La fortuna della pittura sta nel fatto di rimanere all’interno della superficie della tela e di avere sempre un altro quadro a cui riferirsi. Mi sembra invece che, in alcuni casi, gli artisti e i galleristi abbiano utilizzato la pittura a supporto dell’installazione per uscire dall’impasse della difficile vendibilità di alcuni lavori. Ovviamente da questa considerazione sono da escludere gli autori per i quali questo approccio è necessario e il risultato convincente. La questione, in definitiva, è riconducibile esclusivamente alla qualità delle opere e degli artisti e alla responsabilità di questi ultimi di difendere il proprio lavoro, ricollocandosi al centro dell’arte. Semmai la pittura fosse un mezzo obsoleto, lasciamola morire come l’ultimo dei panda, tanto l’arte vivrà per sempre.

Riccarda Mandrini

Critica d’arte e curatrice

Il lavoro di numerosi artisti parte oggi da una riflessione molto critica della realtà a 360 gradi. La pittura con tutta la sua ritualità e una gestualità così lenta non permette all'artista di cogliere una situazione che con tutta probabilità a breve sarà diversa. Oggi non scriviamo più con gli stessi mezzi con cui scrivevamo alcuni decenni fa (ad es. nessuno immagina di scrivere più lettere a mano); le comunicazioni sono state e continuano ad essere oggetto di nuove rivoluzioni, intese come cambiamento; difficile immaginare che l'arte restasse fortemente legata ad un mezzo così tradizionale. Una ottima gallerista mi faceva anche notare come alla pittura non si perdoni il richiamo formale con la fotografia, anche questo è assolutamente vero. Pur tuttavia, il panorama dell'arte ci offre alcune ottime eccezioni. Victor Man, artista rumeno, Meschac Gaba, che lo scorso anno, in una sua personale a Johannesburg ha presentato una collezione di opere pittoriche di grande valore, si intitolavano “Les couleurs de Cotonou”, ispirate ai colori delle case di Cotonou, la città dove è nato in Benin. Non credo che la pittura sia di per sé morta. Il pittore indubbiamente sì. Gli artisti invece e per fortuna no.

Anna Marzona   

Critica d’arte e curatrice

Non penso che non si scelga la pittura o non si parli di pittura perché ormai lingua morta e obsoleta, piuttosto penso che il problema stia nella qualità dell'arte d'oggi, dove il proliferare di opere e artisti è oramai giunto a una situazione di non controllo. Pochi sono i filtri, soprattutto a livello più basso, e allora o si utilizza la pittura come "ripiego" o si preferisce snobbarla per mezzi più propri per il nostro tempo, più facili da gestire. La pittura è riflessione, mentre tutto oggi richiede istantaneità, non c'è più tempo.

Antonella Micaletti

Critica d’arte e curatrice

Se ancora ci interroghiamo intorno al dilemma se la pittura sia oppure no una lingua morta, a ormai  vent’anni di distanza da quando la grande ventata di recupero delle tecniche tradizionali dell’arte e la rielaborazione di nuove forme di narrazione hanno rilegittimato una forma artistica in realtà mai scomparsa, è evidente che la ragione sta nel fatto che il  fenomeno del “ritorno della pittura” ha investito molto più i suoi risvolti economici che non quelli concettuali. Sembra ipotizzabile pertanto che esso  sia stato motivato in questi anni più da una nuova chance per il mercato che da una consapevole riflessione sulla natura vitale che caratterizza la pittura e sul suo valore fisico e sensibile (leggi dei sensi). Voglio dire che il fascino della pittura - troppo spesso identificato soprattutto in Italia con nuove soluzioni figurative quasi di natura sociologica, tanto sono state legate alle più diffuse forme di comunicazione – sta principalmente nella sua materia prima, che è pigmento, colore, superficie pittorica. Ma su questo piano la critica ha ceduto il passo al timore che la pittura potesse rappresentare il recupero di una ricerca che aveva già manifestato in passato tante delle sue possibilità espressive, e non invece uno sguardo nuovo ed attuale, facilitato dalla scelta quasi omologata dei giovani artisti. In realtà credo che ancora molto la pittura possa dire alle nostre facoltà sensoriali e alla nostra necessità di conoscenza nei termini più strettamente legati al suo linguaggio, un alfabeto basilare ma fondamentale, che parla una lingua che unisce concretezza a trascendenza, narrazione a pensiero.

Mauro Cossu

Artista e critico d’arte

Quando 12.000,16.000 o 36.000 anni fa, senza entrare nel merito alla continua revisione delle datazioni, sconosciuti artisti impressero le impronte delle proprie mani sulla superficie delle grotte che li ospitavano, e ancora scene di caccia e altri significativi momenti del proprio stare al mondo, nacque la pittura. Che la stessa sia comunque giunta fino ai giorni nostri in quanto forma espressiva è un dato di fatto. Senza cedere a un atteggiamento didattico - maieutico e andando oltre le sistematizzazioni attuali, non si vede la ragione per ritenerla una lingua morta. È plausibile pensare che essendo vissuta tanto, vivrà ancora. A mio avviso  ci ritroviamo a discutere di una forma espressiva tra le tante, sempre più numerose, con la conseguente perdita di quelle posizioni di netto vantaggio, sotto il profilo numerico, rispetto ad altre. I limiti tra le varie discipline sono talmente permeabili da indurre a una semplice riflessione: gli spazi creativi si agitano principalmente in questa linea di confine sempre più labile. Nel coinvolgimento simultaneo dei cinque sensi, gli stimoli maggiori. Il punto non è tuttavia l’utilizzo di strumenti più o meno collaudati ma avere qualcosa (di interessante) da dire.

Antonella Marino

Critica d’arte e curatrice

Ebbene sì, lo confesso, faccio parte del drappello degli scettici (una minoranza, dopotutto), degli abiuratori e dei fedifraghi nei confronti di un pratica che pure ha alimentato i miei studi, il mio interesse per l’arte, la scelta stessa di questa professione. Non per ideologia, per partito preso o peggio ancora per indottrinamento modaiolo. Né per altrettanto sospette preferenze verso un'altra tecnica, qualunque essa sia. Ci mancherebbe. Ciascun linguaggio, vecchio o nuovo, può essere di volta in volta o insieme ad altri funzionale a comunicare una ricerca. Ma proprio questo è il punto. Se è vero (e io ne sono convinta)  che le esperienze artistiche più interessarti passano oggi attraverso la necessità di esercitare uno sguardo critico sulla realtà, di confrontarsi con la sua complessità e le sue contraddizioni, di sintonizzarsi con le sue tematiche più urgenti all’interno delle quali introdurre punti di vista e approcci altri, il dubbio è che sia proprio la pittura la pratica più vantaggiosa a farsi carico di una contemporaneità tecnologica e complessa. Chi oggi decide di dipingere, non può farlo a caso. La sua non può che essere una scelta intellettuale, in grado di fare i conti con le incrostazioni del passato anche recente, la dimensione ipertrofica  del territorio delle immagini, le tentazioni virtuosistiche e il surplus intimistico e decorativo che tende a insinuarsi anche nel più rigoroso approccio postconcettuale. Mission impossibile, dunque? Non ci giurerei, anche se, almeno in questo momento, gli stimoli più interessanti per me provengono da altre direzioni.

Veronica Liotti

Critica d’arte e curatrice

Elisabetta Tolosano

Critica d’arte e curatrice

Jenny Dogliani

Critica d’arte e curatrice

Mi sono chiesta più volte se la pittura non sia un mezzo inadeguato a rappresentare la realtà contemporanea in tutte le sue dinamiche sfaccettature e certo non sempre è d’impatto, come lo sono invece installazioni visive o sonore. Ma ricordo, per esempio, di essermi seduta con lo sguardo disarmato di fronte ad alcuni quadri di Kiefer: nessun altro tipo di opera avrebbe mai potuto farmi penetrare nella pelle il ricordo dell’olocausto come i semi di girasole secchi e privi di vita, imprigionati negli spessi cretti di colore applicati sulla tela a formare lande cupe e desolate. Il fatto è, io credo, che la pittura necessita di tempi e modi di fruizione più lenti e contemplativi, diversi insomma rispetto a quelli a cui il mercato dell’arte contemporanea ci ha abituati. Forse la pittura è disarmante e forse per questo le è più difficile farsi strada in un mercato “trendy” che spesso punta su mirabilia ed effetti speciali ma che poi, paradossalmente, stabilisce i suoi record su dipinti di impressionisti e moderni o sulla più giovane pittura cinese. Io non credo che la pittura sia una lingua morta e se posso con un pizzico di ironia ribaltare la frase di Duchamp, forse siamo noi troppo stupidi per la pittura ma questo solo il tempo potrà dirlo, del resto come scrisse Théophile Gautier: “Tutto passa, solo l’arte robusta è eterna!”.

Luca Panaro

Critico d’arte e curatore

Ho sempre creduto che l’utilizzo contemporaneo della pittura fosse ormai in declino, eclissato dalla propria obsolescenza. Mi sono spesso stupito del largo consenso che hanno continuato a godere in questi anni alcuni artisti, nonostante l’evidente ed involontario anacronismo di certe opere. Questo però non significa che la pittura sia morta, ritengo solamente che sia svanito l’interesse per un certo modo di utilizzarla. Credo che gli artisti debbano impegnarsi maggiormente per farla uscire da questa imbarazzante condizione di “fuori moda”, valorizzandone le peculiarità ed instaurando un nuovo rapporto con la società circostante. Basterebbe guardare alla scultura e alla capacità di questo medium di re-inventarsi nel tempo, instaurando relazioni con l’ambiente museale ma soprattutto con quello urbano, divenendo così “installazione” oppure “public art”. I mezzi non muoiono, si rinnovano (o almeno dovrebbero), resistono al tempo mutando assieme a ciò che li circonda, senza mai negare le caratteristiche che li contraddistingue.

Jacqueline Ceresoli  

Critica d’arte e curatrice

La pittura è un’enciclopedia dell’immaginazione, non è “out” e mai lo sarà finché sarà vista, diffusa e divulgata come linguaggio innovativo. Il colore, la forma, il segno sperimentano infinite varabili e nuovi codici, ibridandosi con altre tecniche contemporanee. In Europa, in Cina e in America Latina la pittura figurativa, nonostante  l’attuale moda del multimediale, è vivacissima. La pittura nel nuovo  millennio affascina anche i giovani artisti e non soltanto  il mercato dell’arte, non è più etichettata  superata come avvenne negli anni Settanta. Una tela, con i sui colori  e forme intorno a un immagine più o meno definita, appaga il desiderio del nuovo perenne che tormenta i talenti di tutti i tempi, anche se non è “sensazionalistica” come altri linguaggi visivi. Il problema  non è se la pittura sopravvive o meno nella “modernità liquida” delle acrobazie tecnologiche, ma è il suo contenuto, l’energia del colore, del segno, del gesto che la determinano. Non è la pittura in via di estinzione ma i modi di declinarla. La domanda è: perché la comunicazione non la “iconizza” come una  forma d’arte di tendenza e una ricerca in bilico tra tradizione e innovazione? La pittura è stata il linguaggio delle avanguardie e delle neoavanguardie, puntando non sulla mimesi ma sulla traslazione della realtà, così  è stato per Picasso, Pollock, De Kooning, Vedova, Klein, Bacon, De Dominicis, Schifano, Kiefer, Clemente, De Maria, Barcelò, Baselitz, anche la  Bad painting americana costantemente alla ricerca di perturbazioni visive. Un segnale inequivocabile di ripresa della pittura nel mercato dell’arte dal 2000, è stata la vendita da Christie’s di Der Hongress - professor Zander - (1965), olio su tela di Richter per 4.500.000 dollari, seguita nel 2006, da quella di Mao (1972) trasformato in una icona pop da Warhol, battuta all’asta per 15.500.000 dollari. Nel 2008, Triptych (1974-77) di Bacon è stato battuto a Londra per 23.500.000 sterline. Questi e altri dati confermano che la pittura è viva e vegeta ed è considerata come un investimento “sicuro”, oltre le mode; insomma è un mattone dell’arte e il resto è letteratura per i molti che non se la possono permettere.

Luigi Meneghelli

Critico d’arte e curatore

Si può parlare di sparizione della pittura dalle grandi rassegne internazionali solo se la si intende confinata nella propria storia, nella memoria dei propri procedimenti tradizionali. Da più di un secolo invece essa ha smesso di barricarsi in un’asettica dimensione virtuale (il quadro), per protendersi in ogni direzione e farsi territorio che si relaziona con le altri arti, con le altre forme di espressione visiva. La sparizione allora si configura come trasformazione, come ri-definizione degli statuti stessi del dipingere. Non più lavoro manuale opposto alla tecnologia, ma pratica che è influenzata e influenza altri media (foto, pubblicità, video, televisione). Rimane emblematica l’affermazione di Richter: “Non voglio copiare delle fotografie, voglio farle”. Il che è come affermare la volontà di spingere la pittura a mostrare quel congedo dalla realtà che è in fondo anche ogni documento oggettivo. È chiaro che essa non è più un dato autoreferenziale che si appoggia e si legittima attraverso la sua tecnica.

Testimone delle immagini artificiali, essa, l’archetipo di ogni immagine, forse si è messa a sondare questo splendore epidermico che è diventato il

mondo: in altre parole si è messa ad usare il suo linguaggio, per farci capire che “ciò che vediamo non è necessariamente ciò che è”. Solo che in questa maniera la pittura si fa anche riflessione, pensiero, domanda (e non solo sui modi della rappresentazione, ma anche sui modi di essere della cosa rappresentata). Non è una lingua morta, è una lingua mimetizzata, che si re-inventa senza interruzione, per non vedersi sfuggire il presente. Si misura oltre se stessa, oltre ciò che è assodato in essa, per occupare spazi imprevisti, per aprire verso discorsi da molto tempo trascurati. Non è anacronistica, è ancestrale; non è inattuale, è perennemente originaria.

Probabilmente per questo non la si vede spesso o, più semplicemente, non sappiamo più vederla.

Alberto Zanchetta

Critico d’arte e curatore

I critici e le istituzioni à la page si contendono l’epitaffio dei pittori, magari attribuendo loro una frase di Rousseau: “Poco sensibile alle lodi lo fui sempre alla vergogna”. In realtà hanno ragione i – veri – pittori perché tra tutte le arti visive la pittura è la più strettamente connessa alla questione deontologica: un dipinto dovrebbe essere sempre un atto morale, e proprio per questo niente o nessuno potrà intaccarne l’integrità. Si vorrebbe tacciare la pittura come anacronistica, renderla inattua[bi]le, ma questo è un “falso storico” (non dell’artista bensì del critico). In molti hanno inteso la morte dell’arte come sedicente morte della pittura, il fatto è che la morte non deve essere imposta né revocata, bensì accettata, così come si accetterebbe il sacrificio nei rituali religiosi. Per molti millenni la pittura si è dimostrata immortale, mentre adesso il suo destino è di morire e resuscitare in modo sistematico – ovvero scomparire e riaffiorare, come accadde negli anni’ 70 e ’80 – perché la/il fine ultimo è il conseguimento della massima esperienza possibile, e soltanto la morte può rendere piena e completa un’esistenza. In ogni ciclo vitale (ivi compreso quello della pittura) è necessario che ci sia un punto di partenza (Lascaux) e uno d’arrivo (il Novecento); dopo di allora sarà possibile ricominciare a vivere (Terzo Millennio). Personalmente sono favorevole a qualsiasi morte metaforica in quanto presuppone una rinascita, che è ben altra cosa da un revival, e quindi anche una catarsi. Credo infatti che la pittura del XX secolo fosse in errore quando era motivata da un sentimento di sopravvivenza, il tentativo di prolungare la propria esistenza rischiava di non avere più senso, mentre il “senso di tutta una vita” ci è reso noto quando si è in procinto di morire. Con l’epoca moderna e con il postmoderno, la pittura si è spinta a [più di] una morte plateale per testimoniare il raggiungimento del suo apogeo: un’espressione massima che è destinata a perpetuarsi anche in futuro, non tanto perché antica ma perché naturale. Nonostante ora si trovi lontano dalle luci della ribalta, c’è da aspettarsi che presto la pittura non solo risorgerà ma addirittura insorgerà contro il diktat dei musei contemporanei, rivendicando il posto che le appartiene di diritto.

Critica d’arte e curatrice

Ciao Giancarlo,

come stai?

Spero meglio, con la tua allergia. Ieri sono andata all’opening di Cecily Brown da Gagosian. Mai vista cosi tanta gente a un opening in galleria, e per riempire quella sulla 24th ce ne vuole tanta. Era strapieno. Ho visto anche Ferrara e Veltroni con compagnie diverse. Poi Dash Snow, David Salle, Chuck Close, galleristi dal Lower East side, ecc... Un’altissima affluenza di giovani. Non credo proprio che la pittura sia morta, almeno qui a New York. Magari è solo curiosità per la Brown, ma veramente è stato un evento. Non pensavo. Tra l’altro, lei mi è piaciuta molto: è arrivata sul tardi ed era visibilmente emozionata per l’audience, sorridente con tutti ma anche timida. Niente a che fare con l’immagine sexy da rivista di moda. Anzi, non mi è sembrata neanche bella, direi graziosa. Mi ha dato energia, un buon esempio per i giovani. Baci.

Amalia Piccinini, amalia.piccinini@gmail.com

Caro Giancarlo Politi,

la mia vita è segnata dall’incontro con la pittura. Il mio parere sulle questioni che sollevi sarà quindi fatalmente inquinato da quei personalismi che hai chiesto di evitare, e per nulla oggettivo. In compenso, non sarà generico e mi auguro possa fornire spunti di discussione imprevedibili. Come forse sai, sono da quasi undici anni un gallerista che si occupa in maniera esclusiva di pittori e scultori. Sono arrivato tardivamente a questa professione, dopo essere stato per quindici anni un illustratore iper-realista per la pubblicità. Per perfezionare la tecnica pittorica, ho fatto un lungo apprendistato, e con l’esercizio metodico ho capito che la pittura ha delle leggi precise con le quali ci si misura, e che esistono degli attendibili criteri di valutazione della qualità. Naturalmente buona pittura non significa buona arte, e lo dimostra l’eccelsa fattura dei deprecabili quadri “pompier” o, al contrario, il recente successo critico della Bad Painting. La pittura che si vede oggi nel mondo dell’arte è lontana anni luce per competenza, confidenza e “classe” da quella dei grandi maestri dell’Ottocento formati nelle accademie e atelier del tempo, e persino da coloro che hanno ripudiato l’accademismo alla fine del secolo e successivamente. Figure come Boccioni o Kandinsky, fino ad arrivare ad Afro, avevano autentico mestiere, mentre mi sento di dire che un Peter Doig, che pure fa cose meravigliose, probabilmente non avrebbe passato l’esame di ammissione all’Ecole des Beaux Arts di Parigi del 1850. Con la rarefazione dei bravi pittori, sono diminuite le persone competenti anche tra il pubblico, quelle in grado di apprezzare quelle qualità puramente manuali, tecniche e linguistiche che, senza essere l’essenza dell’opera d’arte, ne sono il più piacevole strumento di seduzione. La scomparsa della buona pittura non è legata, secondo me, a scelte curatoriali, ma a un problema di costi e tempi che la rendono inadeguata a partecipare al mercato e alle mostre pubbliche con quella prontezza e disponibilità quantitativa che è necessaria. I criteri di selezione nel sistema dell’arte, poi, sono divenuti molto ministeriali. Credo che sia inutile domandare a commissioni di fiere o musei che devono vagliare migliaia di candidature di soffermarsi sulla qualità e rarità dei singoli pezzi, quando certi nomi sono una garanzia implicita che snellisce il processo di scelta e mette al riparo dai ricorsi degli esclusi. Rimane da chiedersi se la pittura ha un futuro. Il problema è molto generale e riguarda la conservazione delle capacità artigianali in una società del benessere di massa. Come osservava Levi-Strauss, quando una cultura muore la possono riesumare solo gli archeologi e temo che la stagione dei Friedrich o degli Ingres sia scomparsa per non tornare più. Occorrerebbero investimenti colossali per recuperare e rilanciare quel patrimonio di conoscenze e non credo che questo possa accadere con la vigente logica del profitto. Nel mondo reale però si stanno facendo strada fenomeni come “SlowFood” che premiano il valore artigianale preludendo al ritorno di comportamenti generalizzati che legano la qualità ai tempi lunghi necessari per ottenerla. Staremo a vedere. Dal canto suo, il sistema dell’arte mi appare impacciato da gerarchie, burocrazia e soprattutto vecchi pregiudizi. È diventato tutto il contrario di quel regno della libertà di pensiero che contraddistingue le vere avanguardie e quindi poco reattivo nel recepire certi fermenti della società. Ho conosciuto pittori arrivati a esiti straordinari in tarda età, che rimangono bloccati per mancanza di un vero curriculum (fa ridere pensare che ne serva uno per farsi guardare) e quindi, come giustamente fai notare, costretti a vivacchiare commerciando nelle retrovie, neanche sfiorati dall’alone di notorietà di cui sono onorati autentici “bidoni” con l’aura del giovane artista in carriera. Il discorso potrebbe continuare all’infinito. Duchamp diceva che i pittori erano stupidi pur essendo un ottimo pittore e Warhol, che era un fantastico disegnatore, preferiva stampare le serigrafie. Ma stavano prendendo in giro gli artisti o chi, cinquant’anni dopo, avrebbe comprato le scatole di Campbell Soup da Sotheby’s invece che al supermercato? Ti saluto con la più sincera cordialità.

Jimmi Rubin, inforubin@galleriarubin.com

Caro Giancarlo Politi,

ci siamo conosciuti nei primi anni Sessanta nella galleria Numero di Roma. Probabilmente non ti ricorderai perché nel frattempo tu da giovane critico sei diventato protagonista di successo, io da giovane artista sono diventato un vecchio che cerca di capire il senso della vita usando l’arte come strumento di conoscenza. Non è il caso di considerare queste parole come manifestazione di frustrazione, perché io vivo molto felicemente questa condizione che mi permette di non dare eccessiva importanza al giudizio che gli altri hanno di me e del mio lavoro, riservandomi, privatamente, la valutazione delle cose, anche con molta severità.

In quanto al tuo quesito a proposito di pittura o no, provo a darti una mia risposta. Se parliamo d’arte il problema non dovrebbe porsi. Personalmente considero la conoscenza e la coscienza di un uomo e del suo ambiente come una necessità primaria e l’arte lo strumento linguistico più efficace a perseguire questa ricerca e darne conto. Ci sono due modi fondamentalmente diversi e validi di fare arte: il primo è testimoniare, evidenziare la condizione dell’essere e del suo rapporto con l’ambiente, l’altro, proporre ipotesi e progetti creativi. Consideriamo schematicamente il modo con il quale l’arte permette la visitazione del nostro universo interiore e il suo rapporto con le altre forme della vita: credo che il pensiero e la conoscenza procedano per immagini e la pratica artistica permette la loro formazione nei modi più vari e apparentemente diversi. Importante non è la tipologia o il modo con cui si realizzano le immagini-forme ma il rapporto che con esse si stabilisce. Il processo è molto simile a quello alchemico: si lavora su l’immagine per ottenere, per empatia, la trasformazione desiderata dell’operatore: l’artista, che lo voglia o no, crea intorno all’opera una specie di aura che permette a chi la produce e a chi la osserva una forma d’unione totale fra l’opera e l’osservatore. Questo tipo di avventura innesca un processo conoscitivo che avviene per identificazione con il mondo dell’immagine e, realizzandosi in maniera totale, con tutti i mezzi di cui l’uomo dispone, non necessita di spiegazioni. A questo punto sembra che il primo modo di produrre immagini sia più congeniale con la moda più recente mentre fare il pittore forse è più funzionale alla meditazione e al secondo modo di porsi in rapporto con l’arte. L’uso del linguaggio analitico per valutare l’opera è improprio e riduttivo, danneggia il mondo dell’arte e le conseguenze di questa pratica da parte della critica sono esiziali. Lo si può accettare soltanto come possibile punto di partenza e riferimento per introdurre l’osservazione, ma non può determinare il giudizio che rischierebbe di diventare succube di un atteggiamento ideologico. Mi sembra inutile la distinzione tra le varie creazioni di immagini realizzate in qualsiasi modo e in quanto ai pittori, ma anche gli altri artisti, credo si debba precisare che, inesorabilmente, saranno stupidi se sono nati stupidi oppure stupidi saranno i giudici. Non credo sia il caso di dare rilievo e importanza ad una forma d’arte valutandone il successo in rapporto alla maggiore o minore quantità di denaro in essa coinvolto. Sappiamo tutti benissimo che nel breve-medio periodo la qualità non interferisce sugli investimenti che possono godere di un’organizzazione protettiva ben coordinata (musei gallerie e critici collegati da interessi comuni); altro caso si pone nel lungo periodo dove cambiamenti importanti dell’ambiente interessato richiedono vero, efficace e utile valore per transitare.

Cordiali saluti da

Carlo Cioni

Riguardo alla pittura e al suo pertinente quesito, mi sento di risponderle con questo breve testo. La parabola interminabile della pittura non troverà a mio parere mai un esaurimento, per via della sua densità, del suo passato e della sfida che gli artisti contemporanei continuano a vivere. Ci sono, ed è salutare, dei periodi di interruzione a cui la storia dell’arte ci ha abituato, come di conseguenza ci sono periodi di ripresa; la pittura va aspettata, ci vuole pazienza, può essere molto distante o dietro l’angolo, è una questione di attesa. Io la trovo come il nostro corpo, il nostro sangue, è un valore primario, nell'ambito dell’arte e delle altre rappresentazioni artistiche assume il ruolo di necessità e di parametro. Quanto cinema, fotografia, video-arte hanno assorbito dalla pittura ridisegnando dei loro percorsi e continuano a farlo. La pittura e la poesia sono la rappresentazione del cammino dell’uomo nella vita, le tele dei pittori stanno sospese sulle pareti come le parole dei poeti tra la terra e il cielo. Ai grandi critici/curatori responsabili delle più importanti esposizioni internazionali consiglio nei momenti di perdita di vista della pittura di recarsi nei luoghi dove la pittura continua a superare il fattore temporale per identificarsi sempre come contemporanea. A San Sepolcro ad esempio, per la Resurrezione di Piero della Francesca. I capolavori insegnano a guardare soprattutto nel proprio presente, aiutano ad individuare cosa sta accadendo. Sono convinto che nei prossimi anni proprio da questo paese ripartirà una nuova generazione di pittori pronti come in passato a conquistare il mondo dell’arte. Cordiali saluti

Marco Mango, galleria42@fastwebnet.it

Caro Giancarlo

Premetto che ti scrive un assiduo e curioso “studente” dell'università sull'arte contemporanea più seria (e a buon mercato - sfido chiunque a trovare lezioni di tale qualità all'irrisorio costo di 6 euro a bimestre) del nostro paese. Ho 40 anni e tutti dicono che sono un “ottimo pittore”. Io ho seri dubbi, sia perché chi lo dice spesso ha appena scroccato una cena a casa mia, ma soprattutto perché ho una discreta competenza e un occhio particolarmente allenato sull’arte e sulla pittura contemporanea, tale da rendermi conto da solo di essere né più né meno che uno dei tanti imbrattatele della domenica. E infatti l’ultima mia opera risale ad almeno un anno fa. La pittura non è morta, è obsoleta. Il che è peggio. Essa vive dell’erronea convinzione di essere considerata arte “a prescindere”. Ed è un retaggio che deriva dal passato, da quando, cioè, era considerata l’unico mezzo di espressione artistica esistente (e la scultura era considerata artigianato). La funzione della pittura è quella di rappresentare. Un fiore, uno stato d’animo, una visione del mondo o della propria stanza da letto. Comunque rappresentare, riprodurre, trasferire su tela (o su altro) un’immagine o un concetto. La sua obsolescenza è data forse dalla quasi cessata capacità di rinnovarsi e di mettersi al passo con tutte le altre forme di espressione artistica. Ormai è stato dipinto di tutto, con tutti i colori e tutte le forme, sia astratte che figurative. Il livello medio dei pittori è cresciuto parallelamente alla crescita generale del livello medio della nostra società in ogni campo la si prenda in considerazione, e paradossalmente la pittura è diventata un ottimo artigianato (sfogliare Arte per credere, meravigliosa - si fa per dire - fiera mensile dell’artigianato pittorico). Per carità, esistono degli ottimi artisti giovani - ahimé tutti fuori dall’Italia - che creano utilizzando tele e colori. Ma sono mosche bianche, e soprattutto non sono “pittori” perché di pittura non si tratta. La “praticità” e la “commerciabilità” dell’opera pittorica la vera motivazione per cui non cesserà mai di esistere. Del resto, appendere in cameretta un Papa abbattuto da un meteorite risulta piuttosto complicato. In conclusione, la pittura è stata superata da altre espressioni artistiche più fresche e attuali, anche se purtroppo troppo variegate e di sempre più complessa catalogazione. La pittura esiste dalla notte dei tempi ed esisterà per sempre. Ma non sarà più l’alfiere dell’arte. Tutt’al più, potrà essere un pedone. Un caro saluto.

Stefano Melas, stefanomelas@gmail.com  - romano di Cagliari

Che disgrazia, la pittura è morta? Non credo che la pittura sia davvero morta ed emarginata dalle grandi rassegne internazionali, è solo che i curatori vedono ancora la possibilità di creare una nuova tendenza oppure gruppo futuristico, quando poi il bene di consumo è sempre la pittura, la forma d’arte più venduta sia nelle aste che al pubblico privato. Bisogna abbandonare questa strada, perché porta a un autolesionismo, da parte sia delle istituzioni che delle riviste specializzate, comprare vera cultura significa anche pittura, ottima e di qualità, parola di un artista che se ne intende, Roberto Scala. Cordiali saluti.

Artista Roberto Scala, robertoscala@inwind.it

Egregio Giancarlo Politi,

Pittura passatempo per pensionati?

Premetto che non sono né pittrice, né pensionata (purtroppo!), ma una “ricercatrice” di artisti, a cui il successo non ha mai interessato, li cerco come Diogene cercava l’Uomo, per capire un po’ la vita!!! Molto più interessante di quanto può sembrare al primo impatto, questo interrogativo stimola a meditare su vari concetti. Questo fenomeno che pare veramente si verifichi va giustamente analizzato per comprendere, non con disprezzo!!! In questa società che certo non considera la saggezza che può aver raggiunto chi è anziano, che non riesce a capire chi è arrivato all’età della libertà, ma che considera il pensionato solo un parcheggiato in attesa della morte, come colui che ha perso il principale valore riconosciuto, la giovinezza, può travisare il fenomeno e non riuscire a capirne il grande richiamo!! Il bisogno di dipingere di chi ha raggiunto la libertà dai soldi, dalla tensione al raggiungimento di valori effimeri come il successo, indipendentemente dai risultati che può raggiungere, deve far pensare molto!!! È un bisogno che si fa sentire non per passatempo, ma per “afferrare” il tempo e farlo comprendere!!! È la necessità di trovare “l’umano”, perso in un iter pilotato da poteri dominanti, è la necessità di guardarsi dentro e intorno, di liberarsi da “fronzoli” per ricercare l’essenziale! Ne conosco molti di pensionati pittori, e faccio sempre letture psicologiche dei loro manufatti. Così come si può trovare qualche segnale interessante negli scarabocchi dei fanciulli ancora puri e fuori dalle maglie della società, gli anziani recuperano questa capacità con lo spessore aggiunto di una più profonda conoscenza della vita! Potrebbero insegnare molto ai giovani, se assumessero presto questo ruolo nella società, migliorandola, ma essi raramente osservano, disprezzando “i pensionati”, distratti e captati da ben altri raggiungimenti, rispecchiano spesso il vuoto di questa società che uccide l’umano, quindi l’Arte e la manualità della Pittura che può divenire Arte! Forse lo capiranno solo da pensionati… Ma le probabilità diminuiscono perché l’umano si perde sempre più in questa società di venditori che preparano compratori! Certo è che i “pittori” si ritengono Artisti, e invece solo qualcuno lo è! Ovvero, certamente l’Arte prevede intelligenza, emozione, sensibilità, sintesi esistenziali e capacità di espressione. Essenziale è avere qualcosa di contenuto da comunicare coscientemente o inconsciamente, con quale mezzo è molto poco importante! Il mezzo può essere la pittura, ma può essere un mezzo virtuale, una performance di qualsiasi assemblaggio di elementi, può essere il più svariato! Però il mezzo pittura è una forma di artigianato, che può divenire Arte, ma che come tale è in declino, si cerca sempre il nuovo desueto! Ogni mezzo meccanico prende il sopravvento sull’uomo! L’essere umano non sa rimanere fuori dagli ingranaggi stupidi e stritolanti di questa società che condizionano e non riesce quindi a sviluppare, anche se potrebbe averne le capacità, le doti Artistiche. È importante tentare di cercare sempre il nuovo in Arte? Non è l’astoricità dell’Arte essenziale, anche se in parte l’Arte è coinvolta dall’epoca vissuta? L’Arte non dovrebbe essere al di là della moda, dei costumi della tecnologia e trattare argomenti soprattutto eterni, come la vita, l’essere umano, le relative problematiche esistenziali? Certo la manualità del pittore può, non molto condizionata dai mezzi tecnici, permettere anche comunicazioni inconsce che sono quelle che danno più valore alla Comunicazione Artistica! Quanto più con mezzi semplici l’Artista riesce ad esprimersi, tanto più è fuori dai condizionamenti del tempo… si può pensar che anche la pittura può essere troppo complicata, troppo artigianale?!

Esiste una dittatura dei curatori? Certo, esiste una dittatura della maggioranza dei curatori che hanno poteri, che trova facile presa tra chi (non meno responsabile!) vuole emergere, per il desiderio di captare l’attenzione ed ottenere potere economico! Dove è il vero Artista che si esprime con libertà, per bisogno naturale, incondizionato, con semplicità istintiva, con qualsiasi mezzo che, non a caso, abbia scelto, che non cerca il mercato, non cerca il successo? Lo si può trovare solo se lo si “scova”… ma chi lo scova e ha voglia di scovarlo per soli fini Artistici? Solo coloro che a loro volta non cercano denaro, non cercano successo e godono solo di aver trovato un simile che non è stato “fagocitato” per approfondire il senso della vita! Quindi i pochi veri Artisti e chi li ha scovati restano isolati e sconosciuti, fuori dalle beghe economiche e di potere e ne sono felici… Però purtroppo non possono essere utili alla società che li ha stupidamente emarginati! Einstein richiamava al valore nella società di artisti, nelle cui opere “leggere” per imparare a gestire la società con una qualità di vita degna e come lui pochi altri… Ma oggi a chi interessa? Grazie per l’attenzione, spero nella foga di essere riuscita a comunicare il mio pensiero e, soprattutto, l’emozione di chi cerca sempre l’umano, quindi l’Arte.

Marisa Russo, arperc@libero.it

Gentile Direttore,

mi chiamo Vittorio Emanuele sono un Pittore e incisore. Le scrivo perché il tema che tratterete prossimamente sul fatto che si considera la Pittura una Lingua morta mi interessa molto e mi tocca da vicino. La Pittura è stata esclusa dagli spazi istituzionali quasi del tutto, ma questo è solamente frutto di scelte di curatori alla moda e spesso politicizzati. Non intendo fare il solito piagnisteo da escluso, la Pittura esiste malgrado tutto, io ho sempre dipinto e continuo a farlo. Ci sono gallerie, collezionisti, e un mercato che esiste e resiste, anzi direi che negli ultimi anni si è consolidato. Il linguaggio è vivo più che mai, ed è incoraggiante vedere molti giovanissimi che hanno ripreso a dipingere. Peccato che nel frattempo c'è stato un buco didattico di 50 anni, questi ragazzi non hanno nessuna nozione tecnica e una conoscenza dei materiali molto approssimativa, un vero peccato. Nelle Accademie la cattedra veniva assegnata per meriti (Carpi aveva 15 allievi), non le centinaia di studenti spesso affidata all’assistente dell’assistente. L’Accademia (salvo qualche isola felice) non insegna il linguaggio, forse gli stessi docenti confusi e smarriti non sanno più come inseguire le tendenze, o forse l’assegnazione della cattedra per titoli non è una selezione sufficiente. In Spagna, dove questo non è successo e le Accademie funzionano perfettamente, esistono grandi maestri (Antonio Lopez Garcia, Guillermo Munoz Vera, ecc), gli studenti sono preparati e tutto il meccanismo funziona. È curioso dover consigliare a un giovane pittore italiano che voglia apprendere le preparazioni delle tavole a gesso e colla di coniglio di rivolgersi ad un pittore cileno.

La Pittura è vitale come lo sono il teatro, la musica, la poesia. Si pensava a torto che il Cinema, che somma la musica, il colore, la parola, il movimento, la letteratura, ecc, facesse tabula rasa di tutte le espressioni artistiche. Cosi non è stato. Per concludere, direi che la Pittura non ha bisogno di riflettori puntati, anzi, quello che temo e che diventi un fenomeno di moda, e come tale sia passeggero ed effimero (Oscar Wilde diceva “la moda è cosi brutta che bisogna cambiarla una volta l’anno”). Cordialmente,

Vittorio Emanuele, vittor.emanuele@tiscali.it

Non credo sia passatempo solo per pensionati. Penso che chi ha possibilità finanziarie continui a comprare come anche i grandi collezionisti di tendenza. Chi non può spendere si “accontenta” di pittura e artisti a basso livello. La pittura, a mio avviso, non è una lingua morta ma essa, come l’opera d’arte, è figlia del suo tempo, come ha detto Kandinsky. Nelle rassegne più significative le gallerie hanno interesse a portare i propri esclusivi artisti. Non tutti gli artisti di alto livello sono legati a gallerie e non si affannano a farsi rappresentare in occasione di rassegne. Infine, sono dell’avviso che sia conseguenza della “dittatura dei curatori”.

Antonio Fiore-Ufagrà, afiore@antoniofiore.it

La pittura sempre più passatempo per pensionati?

Caro Politi,

ho sempre sostenuto che ci debba essere un organismo, ente, autorità, che ufficializzi in maniera autoritaria chi è artista e chi no! Se il pensionato si alza alla mattina e si auto dichiara  artista, allora siamo in anarchia (come in un puttan…). Io per essere un artista sono andato a scuola, ho studiato, ho sudato ed ho sputato sangue...

Pittura come lingua morta? No, la pittura oggi, come sostiene una delle più autorevoli critiche di storia dell'arte, è a un punto zero. La pittura è lo specchio dell'anima umana e lo sarà sempre… Ha solo bisogno di tempo per re-identificarsi. Ciao

Alessandro, artopere@libero.it

Faccio veramente fatica a considerare la pittura una lingua morta, ma piuttosto un codice linguistico che molto spesso, perché snobbato, e quindi sempre meno compreso, perde presa nella contemporaneità. Il fatto è che le installazioni (che poi in definitiva hanno eclissato anche la scultura, sebbene ne conservino la dimensione spaziale), hanno un codice interpretativo della realtà che gioca con le sue stesse armi, interagendo direttamente col reale e modificando, quando riescono bene, la visione di esso. La pittura invece crea un nuovo sguardo sulla realtà, proprio perché crea una realtà, con un proprio linguaggio, con dei propri referenti, ed è pertanto più sublimante. E oserei dire sublime. La pittura non è anacronistica, perché il linguaggio che essa adopera può mutare in rapporto alla propria contemporaneità, senza rischiare di perdere in smalto. È altresì vero che spesso se ne vede in giro di molto brutta, ma non perché mal prodotta, piuttosto perché mal pensata. La buona pittura è la traduzione di un pensiero/idea in immagine, e quanto più il pensiero è alto, rivelatore, indagatore o curioso, quanto più esso mette il dito nella piaga del profondo umano e intellettuale senza scivolare nell'intellettualismo e nella psicologia casalinga, allora la pittura saprà parlare, ovviamente se gli si vorrà prestare orecchio. Spero di non essere sembrata troppo di parte, nel mio piccolo mi “batto” sempre per la pittura. Ed è bello che se ne parli.

Eleonora Magnani, eleonora_magnani@yahoo.it

Gentile Giancarlo,

sono una laureanda in Lettere, indirizzo storico-artistico, all’università Ca’Foscari di Venezia.

Entro febbraio vorrei consegnare la mia tesi “In difesa della pittura nell’arte contemporanea”.

Che meraviglioso regalo mi fa occupandosi di questo tema nei prossimi numeri! Intanto Le posso dire che dopo mesi di studio sono giunta a capire che artisti e critici hanno ben poco da spartire, entrambi si occupano di arte, ma sono come due binari, paralleli, che non si incontrano mai. Sto girando le gallerie della mia città per consegnare delle domande. Raccolgo le varie esperienze per concludere la mia tesi in un modo “sperimentale”. La prima parte presenta brevi capitoli su Greenberg, Vettese, alcuni testi presi dalla Sua rivista, Camille Paglia, la Krauss e altri; la seconda parte riporta la testimonianza di coloro che vivono d'arte. Concluderò poi parlando di Marlene Dumas, pittrice che amo molto. Intanto posso spedirLe le mie domande. Quando avrò del materiale Le invierò le varie risposte. Al più presto Le darò anche un parere personale in merito. Nel frattempo mi faccia sapere se può interessarLa. Grazie di cuore.

Cinzia Boschin, iudith@alice.it

Forse la risposta sta nelle riflessioni di Nicolas Bourriaud a proposito della cosiddetta “estetica relazionale”. Il teorico francese ipotizzava, a partire dal lavoro di Felix Gonzalez-Torres ma non solo, un tramonto dell’estetica tradizionale dal momento in cui ci saremo resi conto che “il gesto precede il senso”, per usare le sue parole. In sostanza, dice Bourriaud, un cubo di fotocopie diventa un capolavoro non in quanto tale e neppure, come nel caso di Duchamp, perché è esposto in una galleria, ma perché il suo inedito interagire con il pubblico lo rende portatore di significato: il cubo di fotocopie di Torres, infatti, poteva essere letteralmente disfatto e portato a casa per volontà dell’artista, dopo che era stato stabilito un suo valore commerciale. Tutto questo ha sconvolto i più elementari criteri del mercato e del capitalismo tutto, almeno sul piano simbolico, vista la riproducibilità dell'arte concettuale. La pittura è la negazione di tutto ciò; essa è il “pezzo unico” per eccellenza, o almeno così viene percepita nell'immaginario collettivo, il suo ricarico è il più alto che si possa immaginare rispetto ai costi di produzione e, sopratutto, nella pittura il senso precede il gesto quasi per definizione. La pittura è antimoderna nel senso più pieno del termine, compreso quella che si vorrebbe rivoluzionaria, proprio perché "educativa": il senso arriva dall'alto, bello pronto, resta solo da stabilire se arreda bene il salotto. Ma di questi tempi nessuno vuole essere moralizzato, solo appagato visivamente oppure dire la sua su qualsiasi argomento.

Tutti vogliamo portarci via la fotocopia di Torres gratis, il feticcio, "io c'ero"; il salotto ce lo arreda l'interior designer (se siamo ricchi), ce lo arreda il quadro della zia pittrice della domenica (se siamo poveri e ingenui), ma per carità niente pinacoteche in casa se siamo colti e attuali, perché come disse Alessandro Mendini, la collezione d'arte in casa può non essere kitsch nei suoi singoli pezzi, ma lo diventa in quanto riproduzione del concetto di "quadro d'autore". Ormai tutto questo è stato percepito. Anche dal pubblico meno colto.

Carlo Serri, c.serri@tiscali.it, Cagliari

Pittura – lingua minore. La pittura, avendo avuto una lunga e articolata storia, ha dato praticamente tutto quello che poteva all’Arte. Ora, con una tecnologia sempre più articolata e un modo di percepire l’immagine completamente diversa, non può che essere che una delle tante forme visive che descrivono il mondo. Sicuramente con un suo grande fascino, ma incapace di reggere al ritmo dell’immagine digitalizzata che, col suo continuo mutarsi, la rende superata nel paesaggio visivo quotidiano. Oggi viviamo immersi in continui pannelli elettronici, i muri domestici si arredano di grandi schermi, lo spazio urbano sempre più usa cristalli liquidi e ogni manufatto ha un suo monitor visivo. Un’immagine affascinante ma statica ha difficile possibilità di trovare nel futuro un suo spazio. Sul fronte poi dei significati l’arte pittorica raramente riesce nel rappresentare la complessità dei temi contemporanei, essendo essi stessi articolati e bisognosi di un insieme di tecniche (video, fotografie, suoni, spazi) per poter essere affrontati ed espressi. Rimane il sentire romantico del passato e quel piacere fisico di giocare con gli strumenti del colore materico. Per cui, più che una lingua morta, possiamo ottimisticamente pensarla come una meravigliosa lingua minore, con i suoi appassionati ed estimatori.                                                                                            

Domenico Olivero, domenico.olivero@bottero.com

Pittura, fotografia, altro.

Come per lo scrittore o il giornalista la penna, o il computer, rappresentano mezzi immediati per dare corpo alle idee e ai loro pensieri, allo stesso modo alcune immagini e alcune idee, visioni, concetti per alcuni artisti prendono la forma di dipinti, con tutti i procedimenti tecnici necessari per la realizzazione dell’opera. Se gli scrittori fossero stufi del vecchio sistema della scrittura si sforzerebbero ad usare la telepatia, o scriverebbero con la forza del pensiero, si procurerebbero un aggeggio, qualcosa collegato al cervello che scriva i loro pensieri. Chi si lamenta, poi, dei cantanti che ancora usano il preistorico mezzo della voce per esprimersi?

Educare la voce, educare la mano, educare lo sguardo. Alcune immagini per gli artisti sono fatte di pittura. Questi artisti non sentono la necessità di cambiare sistema di rappresentazione, che li tradirebbe, che non sono in grado di usare bene, o così bene come altri. La pittura sarà pure da alcuni considerata un passatempo per pensionati, come lo sarà il collezionismo di francobolli, o di vecchi dischi in vinile, come lo sarà l’hobby della fotografia o lo strimpellare di qualche strumento musicale, o la composizione di versi o racconti. Sembra che tutte le grandi attività intellettuali vengano in ogni modo praticate anche a livello amatoriale. In genere tutti fanno qualcosa per essere felici, e se l’attività della pittura dilettantesca da felicità a qualcuno qual è in problema? La pittura trova espressione e applicazione in campi davvero disparati, dalle insegne fatte a mano (che purtroppo abbiamo perso, dalle nostre parti ) ai cartelloni, alle sue applicazioni edili e decorative. Si tratta sempre di pittura, così come, nel campo della fotografia, qualunque stampa fotografica è una fotografia, che sia una foto-tessera, una foto di gruppo o il ritratto di una persona scomparsa, in un’effigie ceramizzata, applicata su di una tomba. Da questo punto di vista, certi vecchi cimiteri sono degli interessanti musei di fotografia. Gli artisti che usano la pittura prendono spunto da forme d’arte pittorica popolare, come i dipinti ex voto che troviamo nelle chiese, o dalle fiancate dei camion dipinti ad aerografo, nei luna-park, ecc. Il pittore cerca la pittura, spesso in ogni sua forma, e poi naturalmente scarta ciò che non gli interessa. Ciò che conta e che trovo interessante è il dialogo che si è venuto ad instaurare sin dalle origini tra pittura, fotografia e altre forme d’espressione. Se da un lato l’avvento della fotografia ha messo in crisi l’uso della pittura, dall’altro gli ha dato una spinta al cambiamento. Le dimensioni gigantesche di alcune stampe fotografiche che la tecnologia ci ha offerto derivano, in fondo, dalle grandi dimensioni delle pareti affrescate, con il loro potere comunicativo. Le stampe digitali e i nuovi supporti plastificati hanno dato origine a mostre fotografiche all’aperto dove le fotografie, originariamente stampate su piccolo formato, vengono qui ingrandite e “spettacolarizzate”. Quel senso intimo della fotografia viene in questi casi un po’ tradito. Ancora una volta, io punterei all’emozione, al mistero, all’intelligenza e all’unicità dell’opera più che al mezzo utilizzato. Ci sono quadri che sono capolavori, altri mediocri, altri banali, e la stessa cosa si può dire delle foto, dei film, delle riviste, dei libri, delle poesie, ecc, Se l’uso della pittura porta in alcuni casi “in dietro nel tempo” perché non dovrebbe andare bene?  Cosa c’è di male a guardare avanti, fermarsi, e anche volgere lo sguardo all’indietro? Molti apprezzati musicisti e compositori contemporanei utilizzano strumenti musicali come la chitarra  (Ben Harper, Springsteen) o in pianoforte (Nick Cave) o, ancora, tamburi, violini o strumenti appartenenti a culture etniche.  Eppure nessuno sembra indignarsi per l’utilizzo di questi strumenti così tradizionali, anzi, sembra scatenarsi una vera passione per come questi artisti li utilizzano. Evidentemente nella musica il problema degli strumenti usati passa in secondo piano rispetto all’interesse e alla curiosità, e alla passione per il risultato. Gli spettatori non dovrebbero lasciarsi ingannare dal mezzo usato ma dovrebbero vedere il risultato, come nella musica. La tecnologia, poi, procede, direi, parallelamente, nell’ottimizzazione dei prodotti artistici disponibili in tutti i campi. I grandi centri per le attrezzature fotografiche sono provvisti di materiale per lavori digitali o analogici. Le case produttrici di macchine fotografiche e videocamere raggiungono risultati straordinari, così come le industrie per la produzione di colori per belle arti, per edilizia o per applicazioni industriali, ottimizzano sempre di più la gamma di ciò che producono, e anche qui i risultati sono stupefacenti. Non parliamo, poi, della tecnologia applicata nel campo del suono. Poi ci sono i maniaci della tradizione, pittori che usano i pigmenti alla maniera antica, ma ciò non garantisce risultati di intelligenza dell’immagine. La stessa cosa si può dire dei video-maker che usano la vecchia pellicola per lavorare che, nonostante sia avvero affascinante, non costituisce garanzia per il buon risultato del lavoro. Credo sia importante sintonizzarsi con la natura di ogni lavoro, fotografia, disegno o dipinto che sia. Il colore ad olio o l’acrilico, o la tempera possono trasmutarsi in qualcosa di veramente unico, così come la pellicola cinematografica può essere impressionata con immagini che rimangono nella storia, e così come la grafite della matita può dare origine a immagini talmente profonde. O la penna può servire a comporre un testo illuminante. Non è il mezzo ma è l’uso che se ne fa. Anche partendo dall’oro, se l’orafo non ha un buon concetto del pezzo che vuole realizzare il risultato sarà certamente un oggetto d’oro ma non avremo mai vero gioiello. Così chi vede in un dipinto solo o soprattutto la pittura è come chi, in un gioiello, vede soltanto l’oro. Tanto vale allora collezionare tubetti o barattoli di colore come fossero lingotti. Per fortuna ci sono tanti dipinti che fanno dimenticare la pittura, come ci sono tante pellicole che fanno dimenticare la pellicola, e ci fanno uscire dalle sale cinematografiche pensierosi, o sconvolti, più allegri o, a volte, più malinconici di prima.

Filippo La Vaccara, flv73@libero.it

Caro Direttore,

ringrazio Flash Art  e la Sua persona per  avermi inserito nel dizionario della pittura italiana. Ho letto con attenzione le risposte che hanno dato i critici alla sua domanda: la pittura lingua morta? Mi sono accorto come tanti da Lei interpellati abbiano detto delle falsità di convenienza. Circa il 90% di quest'ultimi seguono e citano soltanto

pittori che hanno avuto già grandi riconoscimenti per merito di altri critici. Mai nessuno di questi si è mai preoccupato di investire il proprio tempo su un pittore italiano e difenderlo. Essi hanno altro a cui pensare che alla pittura! Se avesse posto quella stessa domanda a chi ogni giorno vive e pensa alla pittura, forse avrebbe avuto qualche

risposta più sincera e meno sofisticata.

La pittura non sarà mai lingua morta; la pittura non ha che fare con il tempo e quindi non ha un ciclo organico. Essa ha avuto un inizio con l'umanità stessa e quindi finirà soltanto quando l'umanità smetterà di esistere. A volte dà qualche sguardo in avanti e ci mostra degli scenari futuribili, altre volte si guarda indietro e rivede se stessa non grande orgoglio, ma resta sempre dentro l'attualità. Premesso ciò, si puo' disquisire su tutto, ma sarà un continuo parlarsi addosso per non dire che la pittura non perderà mai

il suo ruolo sociale. Essa fa parte della vita già da prima che la voce riesca ad esprimere le prime parole. La mia nipotina che ha 13 mesi cerca i miei colori per fare dei bellissimi segni,  una necessità primordiale quindiŠ Come si possa pensare che una necessità espressiva di tale forza possa finire o possa morire? Solo artificiosità di

qualche "mente superiore" può pensare a qualcosa del genere. L'istinto che lega questa pratica  alla vita è indiscindibile per non dire una necessità interiore. So di non dire niente di nuovo come tanti altri stupidi pittori. Ma la sola cosa  che mi gratifica di questo mestiere è la ricerca che lega l'estetica all'etica o il desiderio di esprimersi

mirando sempre all'utopia. Certo il problema che interessa al sistema dell'arte è se questi segni sono arteŠ questo lo lascio decidere alla storia che fino a oggi non si è mai sbagliata.

Un caro saluto

Giuseppe  Veneziano veneziano.giuseppe@virgilio.it

Gentile Direttore POLITI,

Con la presente intendo fare riferimento alla Sua e-mail concernente l’iniziativa “PITTURA OGGI IN ITALIA” tesa a monitorare (se ho bene inteso) lo stato dell’arte in Italia e di chi vi opera; ma in particolare svolgere una ricognizione di quegli artisti che, al giorno d’oggi, testardamente, ancora operano e si esprimono con il linguaggio della pittura. Al riguardo, mi si consenta di esternare le mie personali perplessità di fronte all’atteggiamento, dagli umori un po’ “modaioli”, di critici e quanti altri operano all’interno del sistema dell’arte tendente ad una specie, come dire, di estemporanea (spero) abiura del linguaggio primordiale della pittura e all’oscurazione della sua visibilità. A me pare, così come si appalesa il fenomeno, che ci si allontani velleitariamente dalla comprensione di quelle che sono le vere e profonde istanze che spingono l’artista ad operare mediante il linguaggio della pittura, senza di certo rinnegare gli altri, nella consapevolezza che non sono certamente essi (linguaggi) che a lui interessano, bensì il risultato che per il loro tramite si intende perseguire e raggiungere. Ma tant’è, se questo è il mondo dell’arte e se ogni teoria e/o atteggiamento procedurale è possibile senza pena di essere confutati sulla base di un dato a priori, chiedo venia dello spunto polemico e velocemente mi allontano dalle pastoie di una simile querelle. In quanto, invece, alla richiesta di segnalazione di pittori giovanissimi (nati dopo il 1975!) “interessanti ed originali”, mi dispiace dirle che di essi non ho cognizione (mentre ho conoscenza di tanti altri silenziosi e validi artisti che operano con ‘pennelli e colorì, a prescindere dal dato anagrafico, da ritenersi – credo - ininfluente ai fini di poter percepire e valutare l’originalità di un’opera d’arte). Personalmente, poi, ravviso che nelle cose dell’arte la ‘pratica’ si è messa sul difficile ed operare in modo originale oggi risulta più arduo che nel passato, per via della forte spinta speculativa che, al pari degli altri prodotti dello spirito, l’appetito di conoscenza ha subito nell’epoca contemporanea. In particolare, l’azione di ‘scavo’ prodotta nel secolo scorso è stata così vasta e poderosa per cui la prosecuzione dei lavori implica necessariamente una ricognizione a vasto raggio della realtà, nelle sue infinite oggettive e subiettive sfaccettature leganti gli aspetti più disparati del mondo fisico e sensoriale, un’escursione nei meandri ancora riposti di questi, in modo da varcare il muro delle apparenze evidenziate o evidenziabili, per portare in superficie, oggettivandole, le sottili ed infinite connessioni cui sono sottoposti tutti gli aspetti di quel mondo e la generale coerenza che esso contiene, come espressione di una grandiosa equazione matematica. Dico questo per evidenziare come sia arduo, in linea generale, per il giovanissimo artista contemporaneo l’essere originale atteso che per raggiungere una tale vetta egli ha da maturare e metabolizzare un’enormità di prodotti e fatti artistici oggettivati e per certi versi storicizzati. L’arte, a mio avviso, sempre più risulta essere un insieme di infiniti incontri e scontri a livello di percezione verticale della realtà. L’azione, laddove viene resa visibile, è solo una fra le tante possibili, ma resta pur sempre una “verità”, poiché non v’è possibilità di dilatarla nel medesimo spazio-tempo in cui si è costituita. Saranno possibili varianti, certamente, ma solo in spazi e tempi successivi, consapevoli come siamo che ogni atteggiamento dialettico con le cose, sviluppa infinite possibilità di pensiero teorico ed innumerevoli fatti ed eventi spaziali e temporali. Per tornare al tema oggetto della presente, con il Suo consenso, mi onoro di comunicarle il mio sito:  http://www.namir.it/DESANTISGIUSTINO.HTM con preghiera di una Sua visione onde poter avere cognizione dei miei lavori (rigorosamente di pittura!) e del mio pensiero, (quello di un operatore d’arte di 65 anni, ahimè non più giovanissimo, anche se, mi creda, dal punto di vista creativo tale mi sento, oggi più di ieri). Voglia Signor Direttore perdonare la mia prolissità e nella speranza di un Suo cortese riscontro La saluto con viva cordialità augurando sempre migliori fortune alla rivista FLASH ART, a cui sono abbonato da molti lustri.

DE SANTIS Giustino, godess1942@libero.it, Roma

Stupido come un pittore.

Ci sono uccelli che raggruppano tutti gli oggetti colorati che trovano

in giro nel luogo dove avverrà il corteggiamento. Forse,il primo e inconsapevole gesto artistico è stato quello di raccogliere un fiore o una conchiglia. Estrapolarli da un contesto e designarli a una nuova valenza estetica. Si è iniziato con un fiore e si concluso con un orinatoio. La pittura è più complessa, Duchamp lo sapeva benissimo. "Questo" vuol dire "quello","questo" rappresenta "quello".Il pensiero analogico è complesso,il gesto che indica e prende lo è meno. Penso che tutta l'arte sia morta,non solo la pittura,e che questo sia  la propria forza; essere fantasma,immagine senza corpo e poter prendere qualsiasi forma mi sembra il massimo della potenza. Tutta l'arte che riesce a dare corpo ad un "qualcosa" che

sembra arrivare da "chissà dove" è grandiosa,sia essa pittura,foto,video ecc. Con la pittura è più difficile dire qualcosa di nuovo perché già è stato detto tanto,ma quando ci si riesce avviene una rivoluzione. Francis Bacon viene dopo Marcel Duchamp…

Cordialmente,

Pastorella, pastorello.gm@tiscali.it

Caro Politi, sto scherzando. Alla mia età non mi resta che provare a realizzare una pinacoteca "Ottavio e Manlio Manvati" in Roma. I primi passi sono stati fatti. Sono certo che mi darai una mano con la tua pubblicazione. Passerà un po' di tempo...ma mi farò vivo con una mia. Non ti scoraggiare come purtroppo accade ai pittori: siamo destinati a fare grandi salti dalle stelle alle stalle.

Manlio, manvatipainter@libero.it

Sono un artista ed utilizzo i materiali più diversi per esprimermi "anche" la pittura. In realtà chiedersi se la pittura è anacronistica come strumento artistico nasconde una domanda ancora più profonda: cos'è l'arte? Secondo me, solo dopo aver risposto a questa domanda sarà possibile, direi lecito, dare un parere su quali strumenti considerare idonei nel fare artistico. Per quanto mi riguarda, considero buoni tutti gli strumenti possibili, anche quelli che non conosco o che ancora non sono stati inventati. L'artista è un uomo libero e sceglierà lo strumento che lui,solo lui,libero da qualsiasi condizionamento, riterrà più opportuno; sentendosi libero,per ogni opera che creerà, di navigare senza freni di stili oltre che di strumenti. Insomma: l'arte è un mistero; è sorpresa; è sogno d'immortalità; è bellezza; a volte è scienza oltre la scienza ufficiale; soprattutto,penso io, ci offre sguardi nuovi e sorprendenti sulla vita,intesa sia come micro che come macrocosmo. E' un modo di cercare...di farsi domande... I musei, i curatori, i critici raccolgono e si soffermano su ciò che gli pare e ne hanno tutto il diritto. Lo stesso penso delle gallerie o dei collezionisti che guardano anche al mercato. L'artista può solo proporsi, gli altri sono liberi di scegliere. Mi fanno pena gli artisti che criticano i collezionisti che seguono solo il mercato condizionato dai curatori e dai critici. Peggio per loro, no? ...appunto niente è anacronistico...

nemmeno i saluti

(Senza firma) giacomopp@libero.it

Chiariamo innanzitutto una cosa: la pittura in arte può essere usata in due modi precisi, cioè pittura come fine e pittura come mezzo.  1) La pittura come fine quando la pittura stessa, nel senso stretto della materia pittorica, diventa autogratificante cioè protagonista essa stessa del godimento artistico. ( ciò può essere maggiormente evidente nell'arte non figurativa). 2) La pittura come mezzo quando la stessa non è protagonista ma, attraverso la sua finzione pittorica (finzione perché dipinge la realtà, o allude ad essa) enuncia  altre emozioni indipendenti dall'immagine riprodotta. Quindi arte non dalla materia pittorica ma arte attraverso un nuovo pensiero che va oltre la pittura stessa (non arte concettuale, per intenderci, ma pittura concettuale). Rifacendomi ora all'antica diatriba di un tempo fra arte astratta e arte figurativa, che di fatto ovviamente non esiste ne mai sarebbe dovuto esistere, ripropongo allo stesso modo: non  deve esistere diatriba fra arte attraverso il mezzo pittorico e arte attraverso qualsiasi (dico qualsiasi) altro mezzo espressivo. Arte, se lo è, è per i suoi contenuti e non per i  suoi linguaggi quindi, togliere quello specifico della pittura  vorrebbe dire di nuovo togliere all'arte i suoi confini illimitati conquistati nel tempo. E dunque, a mio parere, trovo veramente inutile un'inchiesta del genere perché non ritengo che esista il problema. E poi, per conferma,cosa penserebbero tanti artisti contemporanei ancor giovani e assolutamente internazionali, di cui sarebbe addirittura ridicolo fare l'elenco, se si togliesse loro il linguaggio della pittura che li fa protagonisti dell'arte mondiale?.  Pittura obsoleta, anacronistica, vecchia, inutile ? Non mi pare.

Tino Stefanoni, info@tinostefanoni.com

Caro Giancarlo,

leggo sempre con avidità le tue lettere perché c'è sempre molto da imparare e quest'ultima sulla Pittura mi riguarda in prima persona in quanto la mia galleria tratta principalmente questo settore. Non è una scelta per partito preso, un artista lo seleziono in base alla sua bravura, serietà, capacità di comunicare il suo prodotto e difenderlo. Devo riuscire a capirlo o a emozionarmi senza fare troppi sforzi mentali, mai amato molto l'arte concettuale, le iperbole, i paradossi, mi fermo a Duchamp un genio che ha tracciato un solco, definendo sì il pittore uno stupido ma dopo averci lasciato grandi opere di pittura, come il Grande Vetro che per me resta un opera modernissima di "pittura". Nella mia programmazione ho inserito video, installazioni, foto, sculture, ma il più delle volte mi capita di riconoscere la bravura nella pittura, forse perché da giovane dipingevo e ho provato la carriera senza successo (sicuramente accolgo il tuo consiglio che dai in altre lettere di dipingere una volta in pensione ). A ben vedere anche tu come curatore cedi a questa "debolezza" se l'unica sezione che hai riproposto all'interno delle tre Biennali di Praga è stata "Expanded painting", sicuramente la più godibile sezione delle biennali, affiancata a progetti ambiziosi e importanti, ma a volte un po' pesanti. Ma c'è un'altra ragione di fondo : la mia galleria deve vendere quello che propone, a chi la vendo un'installazione o un video di un artista esordiente ? Le esperienze in questo senso le ho tutte finanziate senza avere un ritorno, e se espongo un monitor spento  dubito di avere la folla fuori dalla galleria se l'operazione non è firmata da chi fa tendenza, con un'operazione così mi giocherei i miei cari collezionisti , che non sono dei bauscia , è gente che spende con fatica o meno  per comprare ciò che ritiene arte, così come fa Saatchi che compra ed investe in pittura. Comprano opere che capiscono, spesso sono molto informati, frequentano le gallerie, leggono la tua e le altre riviste. Ritengono di fare un probabile investimento ma soprattutto comprano opere che gli piacciono, da cui traggono un godimento estetico, che stimolano riflessioni, che trattano la contemporaneità anche se utilizzano un linguaggio antico. La pittura come opere d''arte è più certificabili rispetto a quelle proposte con altri media, forse è anche più facile riconoscere la serietà dell'artista, per dipingere a certi livelli occorre fatica e dedizione, molte opere proposte nelle grandi sedi ufficiali spesso sono delle trovate, più o meno geniali, disturbanti, clamorose, cervellotiche e che non sempre l'artista riesce a riproporre con uguale risultato mediatico. Così la mia programmazione mi relega fra le gallerie di serie b ( che resta comunque un buon campionato, come nel calcio forniamo artisti alle squadre milionarie della serie A, abbiamo il nostro pubblico fedelissimo, giocare bene in b può essere più dignitoso che fare una stagione umiliante in A, certo ammiro tantissimo il Chievo che riesce a resistere nel campionato maggiore e vorrei imitarlo ). Che servono i mezzi però non è solo una giustificazione per nascondere la mediocrità, se potessi pagarmi gli spazi, la pubblicità, qualche marchetta critica, avrei altra visibilità, ma non voglio lamentarmi ne accusare il sistema, è una regola di mercato ( che come tutte le regole prevede delle eccezioni ) e quindi sto investendo in questo senso, al momento si vede poco, ma sono in contatto con il tuo ufficio pubblicitario e di altre riviste , partecipo alla fiera di Verona, produco dei cataloghi. So di molti colleghi che non hanno bisogno di vendere per pagare l'affitto della galleria, che propongono la performance scioccante o l'installazione enorme e poi hanno il magazzino pieno di moderni, ho sentito colleghi uscire contenti senza aver venduto niente da una fiera che gli era costata 30000 €, quella volta che partecipai alla fiera di Bologna, vendetti quasi tutto, pensai di aver ben figurato, ma evidentemente non fu così visto che non sono stato riconfermato. Per me la pittura non è lingua morta, sta bene perché è un linguaggio molto duttile, combinabile con altre tecniche, alcune molto moderne come la pittura digitale, può essere mimesi dell'oggi o astrazione, interiorità pura, può ancora oggi essere uno strumento di ricerca artistica e se la ricerca è seria lo strumento non è fondamentale.Loris Di Falco, spaziobraz@tiscali.it

Penso che la pittura oggi sia lingua morta, il pittore e l'artista oggi non è altro che un uomo ed un individuo che coltiva malessere, la vera essenza della vita oggi è lontanissima dal gesto pittorico, non credo ad i sensi eccitati attraverso il gesto pittorico e se i sensi si esaltano attraverso il gesto pittorico si conduce una vita piatta di uomo prima che d'artista. Non credo all'istinto animale che passa per il gesto pittorico oggi e neanche nell'alta definizione della pittura, al limite gesto istintivo e definizione d'immagine oggi viaggiano su videofonini, webcam e telecamere digitali. Niente come la digitalizzazione della vita esalta la consapevolezza della morte, meglio di qualsiasi gesto pittorico, non esiste rimedio alla morte, neanche lasciare un quadro ad i posteri, ragion per cui credo nell'egologicità della produzione digitale. L'uomo ritrae sempre l'umanità, che usi videocamera digitale o un pennello, i miei autoritratti migliori sono le mie fototessere, niente meglio di loro racconta la caducità e l'ineluttabilità della vita e della mia condizione umana. Niente oggi è più interiore della nostra pelle esteriore, niente trasmette meglio la consapevolezza della vita che ci rende reietti e disperati ma mai domi. Volti, sbronze, scopate, rughe e brufoli sono la reazione all'ineluttabile ciclo della vita. Il mio volto, la mia fototessera asettica e digitale è il frutto d'interazioni e solitudini postume ed ha ucciso sia la mia che la vostra pittura.

Nessuno dal Poetto di Cagliari, mariopesceafore@hotmail.it

Carissimo Giancarlo Politi,

A proposito del sondaggio sulla Pittura, vorrei dire solo due parole: a) In un mondo inflazionato dalle immagini, cosa può dire ancora la pittura? b) In un mondo in cui l'artista è "strumento" di un elefantiaco "sistema", una sua /libertà /espressiva è ancora possibile? c) In un mondo "supertecnologizzato" (e non più tecnologico!) l'artista ha ancora un ruolo specifico? d) In un mondo in cui la percezione delle cose muta vertiginosamente, può l'artista leggere, attraverso la pittura, coerentemente lo Zeitgeist? e) E se muta continuamente la percezione del reale, quale identità l'artista deve esprimere? f ) In un mondo in cui la divaricazione tra umanismo e "tecnologizzazione" tende ad allargarsi sempre più, può l'artista avere una visione globale del suo tempo, come l'ebbero gli artisti "classici"?

Io ho dato tutta la vita all'arte, come sai, ho sperimentato e ricercato, penso di essere riuscito ad esprimere il mio tempo, ma davanti agli interrogativi di cui sopra, ho sentito tutto il peso della mia inadeguatezza di pittore e seguendo un percorso, se vogliamo doloroso, sono pervenuto all"A-Zero" dell'opera d'arte, che vuol dire "nullificazione" della stessa, deriva verso "pensiero puro". Nonostante questo mio /viaggio/ nel "nulla", vorrei porre sul tappeto un interrogativo: la pittura è un medium da oltre mille anni, perché non potrebbe esserlo ancora? La pittura (come qualunque arte!) "passatempo per pensionati" non ha mai fatto la Storia dell'arte, ma per quanto io ne sappia, il buon U. Eco docet, ha fatto la Storia dell'arte solo chi, disarticolando i codici visivi di cui sopra, è riuscito a riorganizzarli in una nuova visione, diciamo dal mondo greco in poi. Oggi non ci resta altro, da buoni pittori, che indossare il "saio francescano" e lasciandoci alle spalle le nostre "ricchezze" esperienziali, cercare, ancora, da artisti che credono nell'arte, di entrare nel nostro tempo! Ne saremo capaci?

Dittatura del curatore? Ma cosa trova il curatore sulla "piazza"? Quale

disarticolazione dei codici linguistici correnti offre l'artista? L'arte

è ancora poesia (?) in quanto "simbolo" che arricchisce il reale?

Gino Cilio, Itriagiudice@email.it  - Siracusa

STUPIDA COME UNA CERTA RIVISTA? Ricevo come sempre la newsletter di una nota rivista sempre sull'orlo del fallimento (come la ha definita a Gambettola un noto presentatore televisivo che si occupa d'arte). Naturalmente io non ricordo di essermi mai iscritto a questa newsletter però arriva. Subito apre con l'inchiesta "STUPIDO COME UN PITTORE", titolo che fa già sembrare stupida la rivista. Il tema è se la pittura è una lingua morta perché emarginata dai grandi musei (forse perché si presta poco ai giochi di fondazioni/critici/sgravi fiscali?). Questa rilegatura di fogli riesce a vivacchiare con poche copie vendute ogni anno, autocelebrandosi sempre come il top delle riviste, blablabla, e usando proprio il tema della sua longevità (vari decenni) come garanzia di qualità, garanzia che non riconosce a una nota galleria bolognese della sua stessa, identica età che si occupa di pittura figurativa e che viene definita dalla direzione della rismaccia di carta, una galleria che sembra importante ma in realtà non lo è. A me però pare che questa rivistaccia da poche copie ogni vari mesi, decisamente incline a certi generi d'arte concettuali e minimalisti non abbia tutte queste referenze. Il suo direttore è sempre intento a citare quelli che hanno lavorato con lui come testimoni attendibili della qualità del suo operato e del genere d'arte che difende (se lo dicono i miei amici che sono bravo sarà vero!) e a tirare in ballo la veneranda età della sua bozzaccia (veneranda età che non conta però per le gallerie sue coetanee che lui detesta non facendosi problemi nel parlare male dei suoi artisti). Passa proprio troppo tempo a parlare della sua rivista e dire "io valgo", troppo tempo. E' evidente che ha la coda di paglia o meglio, sa di non valere, tanto che è costretto a dire ai suoi più giovani collaboratori "vai e parla bene di quella mostra perché il museo/galleria fa pubblicità sulla nostra cartaccia! Pensare che si è fatto anche prendere in giro da un gruppo di giovani artisti (che forse allora ancora non lo erano) che gli hanno inventato personaggi inesistenti (artisti) da portare ad una manifestazione d'arte della quale si occupa che chiunque leggeva il CV di costoro diceva "ma questi sono inventati". E gli hanno persino fatto credere che a proporglieli fosse un notissimo fotografo e pubblicitario che non ne sapeva nulla e quando ha saputo a momenti... vabbè comunque costui ha definito la sua rivista nel peggiore dei modi e oggi il dIRetTore parla male del notissimo fotografo (ovviamente). Non sarà che questa rismaccia di fogli che chiama rivista sembra importante ma non lo è? Non sarà ora che sparisca? Lui da lezioni a tutti ma ci sembra un improvvisato. Che vada in pensione lui, la "rivista" e la newsletter. Non sarà che la pittura trova nel collezionismo privato una linfa ben più sana dei giochi di potere di certi musei che sembrano importanti e liberi dal mercato ma lo sono meno delle gallerie?

Eli Muca Il Muratore, mucaelido76@yahoo.it

Non credo proprio che la pittura sia morta. Credo che sia considerata inferiore rispetto alle altre. Basti citare Cattelan, Beecroft, Hirst... Artisti da me stimati e tanto amati. Credo che sia colpa dei curatori del settore e chiamo in causa anche voi. La pittura non è da pensionati, io

difendo il mio settore per me è lavoro; anche se so che potrei passare a videoart o installazioni. Lavoro notte e giorno a periodi… per il resto penso quando non lavoro. So che poi tutto verrà tradotto su tele.

Misia, collagi3@hotmail.it

Il rispettatissimo e giusto uomo Pier Luigi Sacco è il grande maestro che ci può dare grandi risposte. Chi meglio di lui sa che il mercato in Italia viaggia sull’onda della pittura. Penso sia un buon investimento per molti. Attenzione sappiamo anche che rispetto a N.Y. (crollo economia, periodo elezioni a parte) alle aste si batte altro. Lì chi sopravvive almeno per 10 anni è un genio (Hirst), spero che Cattelan tra 20/50/100 anni faccia ancora parte della storia dell'arte. A N.Y. è tutto veloce. Magari fosse così in Italia. Da noi chi investe sull'arte sono principalmente banche e fondazioni... ma guardano fuori dal paesello. Contenta che alla biennale di Praga abbia vinto un artista pittore io vado avanti con i miei studi su materiali e tecniche, amo sperimentare. Nell’arte è importante staccare la propria vita da ciò che si vuole

comunicare. Forse quello è il pensionato! Sono ancora nel sottobosco! Decisione del critico.

Io sono ostinata e non mi voglio bruciare. Questi sono miei problemi. Scusate gli errori, non rileggo. La stanchezza e il nervoso sulla questione.

Nb: non metto nome e cognome per la morte di mia madre per omissione di soccorso. Malasanità. E la magistratura sta indagando. Scusatemi. So che a politi non è cosa gradita l'anonimato.

Grazie e cordiali saluti.

Flash Art sta sempre nella mia biblioteca d'arte contemporanea. Mi riabbonerò molto presto .

Misia, collagi3@hotmail.it

Non credo sia un medium obsoleto (anche se l’età dice il contrario), certamente è molto limitativo. La pittura sta esaurendo carica e tensione, sopravvive (con fatica) grazie al lavoro di pochi artisti. Se inglobata (o fusa) in un ampio progetto che preveda il libero utilizzo di altre forme espressive tipo disegno, fotografia, video, performance, installazione, la pittura potrebbe ancora attrarre e recitare un ruolo importante. È come un appassionato d’auto che nel proprio parco macchine tiene il SUV, l’auto sportiva e la vecchia 500 che utilizza con fierezza e parsimonia nel fine settimana…

Lino Cairo, linocairo@libero.it

E’ una questione di cultura prima che di stile. Intendendo con ciò che tutta una generazione, oramai è sui sessant’anni, è stata coltivata all’ombra dell’albero della “totalità”. Come a dire: la tua visione del mondo dev’essere una visione totalitaria, non in senso ideologico, bensì che comprenda la pittura, la scultura e l’architettura dentro il sociale, dentro il farsi della storia.

Finita questa “centralità visionaria” che ha dato grandi frutti si pensi al teatro (Brecht, Baal, Piscator), alla letteratura, alla pittura e ai suoi tanti teorici come Klee, Malevic, Kandiskij. O, si pensi al solo sogno del Bauhaus per cui tutto era arte e vita,  e si andava a prospettare un’estetica che si fondeva con l’etica pertanto anche la pittura si fondeva al sociale in questa ottica. Oggi, tutto ciò, si è perso nell’ambito di una serie di disarticolazioni, di rivoli e di individualità che non hanno e non possono avere la complessità di allora, se non quella della propria epoca che è questa di oggi settoriale e divisa. Al di là di questo la pittura resta ed è ancora un’àncora. Che la si voglia o no: oggettiva; che la si voglia o no: soggettiva;  essa risponde sempre al detto: “l’arte è un modo di espressione attraverso un mezzo resistente”. La tela eè il mezzo resistente che è come la pagina bianca per lo scrittore. Non tutti arrivano al Nobel, ma tanti scrivono; alcuni scrivono cose intelligenti e sensibili. Ma anche il giudizio si è fatto difficile. Se una volta era semplice inquadrare e quindi giudicare, oggi non c’è stile se non quello individuale per cui il giudizio diventa più opinabile e quindi è difficile catalogarlo e inserirlo in un contesto come è più difficile riconoscerne le qualità. Soprattutto le qualità espressive intrinseche del proprio tempo. Quindi anche i Curatori sono diffidenti nei confronti del loro giudizio ed hanno più paura di sbagliare in quanto i loro giudizii possono essere più fragili, ed esposti alla critica del tempo e delle mode in un breve lasso temporale. L’arte, anzi la pittura, si fa più atto di divinazione che richiede maggiore capacità sensoriale ed emozionale, cosa questa  che non tutti i curatori hanno mentre magari hanno sagacia e intelligenza. Ma, se “l’aspetto più importante della pittura non è la sua correttezza, bensì la sua bellezza” si capisce che le doti per riconoscerla non sono più quelle di una categoria standard del bello noto a tutti, ma di un bello da individuare. E nessuno dei curatori ha il coraggio di rischiare nell’indicare Tizio al posto di Caio, ma soprattutto di bruciarsi le carte che hanno in mano. Fallire significa bruciare denaro ai loro livelli. Il mercato si aspetta da loro di individuare investimenti solidi non a rischio. Quindi è meglio scegliere qualcosa  d’altro di misconosciuto, o ancora nuovo in fase di sperimentazione. Nel frattempo i Bacon, o, i Pittori Cinesi volano a centinaia di migliaia di euri. Ed essere stupido come un pittore credo che sia da intendere come un complimento in quanto l’amore rende stupidi, ma se non l’hai provato non puoi saperlo!

Boris Brollo, borisenko@libero.it

IGNORANTE COME UN COLLEZIONISTA.

Un quadro non si guarda: si legge.

Il mecenate di un tempo era l'uomo colto che ben sapeva a chi dare il proprio denaro. L'artista era un artigiano al servizio della società del proprio tempo.

Morto il Mecenate è nato il Mercato dell'arte, unitamente al Genio Artistico.

Abbiamo imparato a leggere la scrittura, tutti sappiamo distinguere un manifesto pubblicitario da un romanzo, un saggio critico da un thriller, un libretto d'istruzioni da un annuncio mortuario.

Non abbiamo imparato a leggere l'arte, ed è divertente sentire un addetto ai lavori mentre evoca sensazioni da un elenco telefonico o rilega nella cultura un foglio bianco. Grazie al nostro "analfabetismo" il mercato dell'arte si è trovato per decenni nella facile situazione di poter trasformare la variabile Tempo in denaro. Questa operazione è stata resa possibile semplicemente comprimendo fino all'esasperazione i tempi di produzione dell'arte e inventando il critico: una persona che legga al posto tuo e, spesso, addirittura al posto dell'autore stesso.

Inoltre, sempre facendo un parallelo con il mondo dell'editoria, nell'arte da un certo momento in poi sono spariti i romanzi ed è stata bandita la poesia. Sono stati esposti al pubblico solo saggi critici e manifesti pubblicitari, e guai a non capire la filosofia dei primi o l'immediatezza dei secondi.

Il collezionista, l'amatore, negli ultimi ridicoli decenni è stato spesso accolto con sufficienza da un algido, elegante gallerista, in un luogo signorile e soggiogante, più simile ad una banca che alla sobrietà ed alla fatica di cui è tappezzato un atelier.

Devi pagare il veloce, incomprensibile parto di un genio che sta al di sopra di tutti ingenerando così un altro paio di fraintendimenti:

1) che il valore di mercato di un'opera d'arte sia uguale al valore artistico della stessa. Questa situazione si può verificare ma, per ora, solo accidentalmente, mentre un'opera stanca o semplicemente non riuscita di autore famoso, avrà di sicuro un valore artistico inferiore al proprio valore commerciale. Il calcolo di una quotazione deve quindi tenere conto di molte variabili. Eppure è anch'esso una fredda espressione matematica che, essendo il risultato di una media, ti darà allo stesso prezzo l'ottimo quadro ed il dipinto non riuscito.

Sta all'occhio del collezionista "aggiustare" le quotazioni, sapendo leggere un quadro, senza dover per forza decidere tra "affare" e Arte.

2) pur tenendo presente che un lavoro orribile può aver richiesto molto tempo, mentre uno splendido bozzetto solo l'attimo necessario alla sua visualizzazione, il tempo di produzione di un'opera d'arte non può essere una variabile del tutto insignificante nel calcolo di una quotazione. Inoltre, chi impieghi mediamente un mese per dipingere un quadro non potrà mai dare al gallerista il 50 % o più di provvigione con la stessa serenità di chi, semplificando al massimo il contenuto culturale e/o tecnico, può produrre nella stessa unità di tempo decine di lavori. Quindi un elemento importantissimo perché il mercato dell'arte possa riequilibrare meritocrazia e compenso, è anche il grado di alfabetizzazione di tutti noi.

Sarà bello quando la maestra, domani, darà come compito: un quadro da leggere e da valutare è un quadro di sensazioni? Oppure è un saggio critico concettuale?... è una semplice fiaba?... è un violento manifesto pubblicitario? E poi: il quadro ha centrato il suo obiettivo? Pienamente? Poco? Voto.

Solo allora, grazie ad una nuova generazione di "lettori" sarà possibile un enorme autodafè davanti allo studio di ogni pittore, per bruciare i "calcoli" sbagliati, e, come lo scienziato, poter così presentare al pubblico solo i risultati corretti: l'arte.

In più di 20 anni di pittura ho voluto capire, per accertarmi di non aver buttato via tutte le ore della mia giovinezza nell'inseguire qualcosa che non esiste. Inseguo semplicemente la forma di comunicazione che ci viene dalle grotte di Altamira e di Lascaux, la scienza che ha fatto nascere la geometria.

Per fortuna, nell'epoca del riscaldamento e della televisione, l'Arte della consolazione, della religione e dei grandi conflitti esistenziali non è più necessaria, e, nell'attuale contesto, può essere percepita come sovrabbondante: il Requiem di Mozart lo puoi ascoltare solo dimenticando il comfort ergonomico del tuo divano, per uscire nel buio infinito che ci sovrasta.

La Scienza silenziosa e intelligentemente modesta ha dato una grande lezione all'individualismo ed alla vanità del pittore. Gli scienziati hanno continuato a passarsi il testimone, mentre noi non ricordiamo più come si prepara una tela.

Lo scienziato deve dimostrare le sue formule, le case ed i ponti devono essere stabili e fruibili, solo uno stupido pittore può limitarsi a sputare sulla propria tela? Sì, ma non a caso, perchè l'arte è un calcolo fatto ad occhio, ma può mancare il proprio obiettivo per molto meno di un'unità.

Allora ben vengano il concettuale, le transavanguardie, le installazioni: tutto è ammesso se ogni categoria della produzione artistica ha però la possibilità di una seria espressione e collocazione sul mercato. La Biennale di Venezia e la fiera di Bologna non sono che due esempi vergognosi di lobbies di potere che hanno scientemente contribuito ad uccidere una buona parte della produzione artistica più onesta e seria.

Basta per ora, sono un operaio dell'arte. Le mie otto ore mi attendono. Anche questa sera sarò stanca quando andrò a lavare i pennelli. Anche questa sera continuerò a vedermi invecchiare nello specchio del bagno, alla luce quaresimale del suo neon.

Ma ora sono serena, ho capito che questa missione non richiesta, il grande sacrificio di vivere senza testimoni per la propria esistenza ha un significato. Ho scritto "saggi" nel decennio surreale, ho scritto algoritmi nel periodo delle composizioni modulari e ora, per essere più vicina agli altri, sto scrivendo romanzi.

Ho capito che ogni pagina di questo mio libro è un'impronta del mio cammino, l'istante importante rapito all'oblio.  Peccato che le mostre non siano che libri strappati.

Laura Grusovin, Gorizia, 28 ottobre 2008